作者：V Renee 日期：2016年5月8日 到底什麼樣的電影藝術才值得贏得奧斯卡？ 要解釋電影藝術的水準，顯然有許許多多的要素，但若從觀賞為攝影指導（DP）Roger Deakins（羅傑狄金斯）獲得第13次奧斯卡提名的電影“怒火邊界（Sicario ）”，也許會是個不錯的起點。在下面的影片中，Cinematography Database 的Matt Workman，從導演Denis Villeneuve（丹尼維勒納夫）的犯罪驚悚片，解析了11個場景，告訴我們Deakins用了什麼樣的電影技巧，創建電影中讓人印象深刻且顯著的氛圍與調性。 不僅只是在這一部電影，Deakins對他所有的電影，關於他的哲理及電影手法都非常直言不諱。他曾說，電影藝術最終的目並非在於創建漂亮的影像，而是創造傳達故事的畫面。看完了影片的解析之後，你可瞭解Deakins的選擇並非只是單純的為了美學，而是為了講故事。 以前我們曾經討論過Deakins善加利用的幾個不同技巧，讓“怒火邊界”成為一部視覺效果絕美、故事敘述良好的電影，其中包含了使用藍色作為道德水準的隱喻及指示物。然而，Workman的影片強調了幾個Deakins用來創建“怒火邊界”世界及氣氛的重要工具，例如：使用實際物提高真實性，及主題物的大小與主體物強度如何直接相關等。 然而，Workman提到了一個美學理論中非常有趣的概念：地平線的位置。根據你將地平線擺放在哪一個位置，你可有效的改變某個拍攝片段的整體調性。舉例來說，如果你將地平線放置在眼睛的高度（這很典型），觀賞者對此的詮釋將非常好 — 所有的事物都平穩、均等且一切安然。然而，如果你將它提高至畫面的上半部、高於三分之一的位置，如同Deakins在下面的畫面所做的，就會發生一些有趣的事。 根據Workman所說，此地平線的位置將使得主題物顯得受到壓迫，無疑的這是可能的詮釋及反應，然而，美學的理論說，當地平線放置在低於畫面下三分之一以下的位置時，也可以得到相同的效果，因為天空（世界）似乎重重的掛在主題物之上。 下面是電影“完美狙擊（The American ）”中的一個畫面，想像一下喬治克隆尼（George Clooney）站在這樣的空曠地，天空似乎重重的壓在位於其下方的小小地景上，想當然的他必定是無助的站在那兒。 在“怒火邊界” Deakins用了許多技巧，而Workman完成了一個很棒的工作，解析了Deakins為電影在打光、場景及攝影機所做下的決定。此影片絕對值得你花一個小時的時間好好的觀看。 原文出處：http://goo.gl/ibiwi9

當設定電影的樣貌（Look）時，在一起工作時能盡早討論且經常討論，將可以最少的煩惱及花費完成最棒的影像 - Terence Curren. Terence Curren在累積了幾十年的剪輯、製作、及調光經驗之後，於2002年成立 了AlphaDogs。AlphaDogs一直忙於檢視後期製作的技術趨勢，及他們在傳統後期製作生意模式的努力。下面的文章，Curren談及如何在調光師與攝影指導/電影攝影師之間建立成功的關係的五個要點。 1：拍攝之前先跟後期討論 如果你沒有事先跟後期製作討論你想要如何處理你的影像，那麼你將很難掌控經過編輯之後，你的影像會是什麼樣子。 在過去的膠捲時代，攝影指導（DoP）會在開始製作之前，先跟沖印廠進行一些測試，用什麼膠捲、沖洗的過程、及毛片的沖印等都先決定好。到了錄影帶的時代，基本上拍到什麼幾乎就得到什麼，影片的樣貌在後期製作能改變的並不多。 現在的過程，有點像是回到膠捲時代，你可以拍RAW檔，而後期製作剩下的就是剪輯師如何處理的問題了。而當製作人跟導演，喜歡在剪輯過程中所創建臨時調光，我也許就會被告知必須遵循無論是攝影指導、或我自己都不喜歡的樣貌，而是由其他創作者在其剪輯經驗中所養成之習慣的樣貌。 在Alpha Dogs，我們大力鼓吹跟我們開製前會議，以幫助建立最好的工作流程，並對於如何決定色彩（讓你、我跟導演都滿意）有正式的機制，甚至節省製作成本（讓製作人開心）。 2：Metadata很重要 擁有越多的資訊越好。這裡我再用膠捲作為範例，我們通常將聲音和影像分開錄製在不同步的裝置上。而膠捲負片（Film Negative Roll）並非用來進行剪輯、而是使用工作片（Workprint）進行剪輯。這需要大量的整理以便進行追蹤、組合、同步，最後將所有的影片及聲音素材集結完成套片（Conform）的工作。攝影大助、編劇、沖片廠、剪輯助理、及音效師等，對於追蹤所有事及維持一致性都有紮實且整合的作法。後來到了用影帶拍攝，所有的元件都整合在一塊具有名稱及時碼的影帶 – 攝影部門唯一需要擔心的，就只剩下在影帶盒上寫下正確名稱。 現在，我們又回到了音訊通常是分開錄製的舊時代，素材從媒體記憶卡複製出來，這樣記憶卡就可重複使用，而這就產生了命名及追蹤、從原始媒體產生低解析度檔（Proxy）等問題。為了讓這些事都做得正確，需要一套協同作業的系統。如果你希望一切都正確無誤，在開拍之前請先跟我們討論。 那麼，什麼樣的Metadata重要呢？對大多數的剪輯過程而言，就是：時間與日期、場景（Scene）、第幾個Take、記憶卡的標籤（如果記憶卡將保存、不重複使用，那麼就是磁碟名稱）、Sound Roll、及紀錄任何所使用的LUT，如果能記下因為導演沒有真的喊“卡”，所以其實Take 3是Take 5，這也很有幫助。 3：拍攝中不要改變設定 沒有什麼會比因為使用攝影機中的自動曝光（Auto-Exposure）、自動對焦（Auto-Focus）、或自動白平衡（Auto-Balance），而導致必須與色階（Level）的改變奮戰更糟的事了。我們可以在後期製作修復許多事，但要修復一個拍攝片段的變化真的很痛苦。如果你在一個Take中改變所使用的光圈、黑或白平衡、焦點等，這對我們來說，真的是個大問題。如果只是一點點的偏差，通常我們可以修復它，但如果在一個拍攝片段中不停的改變設定，我們必須試著想盡辦法補救這些改變。最痛苦的一個範例，莫過於在靜態坐著受訪的拍攝中，就算鏡頭不動，但一直改變曝光或色彩平衡。 4：不要裁切曝光（Clip Exposure） 如果暗部被擠壓掉、或亮部被裁切（Clipp），那麼我將無法讓你的影像變得更好。許多現代的專業攝影機能補捉的動態範圍（Dynamic Range），比我們用現代監視器重新產生的動態範圍更寬廣，儘管先進的HDR讓這一點已經開始產生改變，但就目前而言，我們必須具備在後期製作時，決定曝光在拍攝片段中的哪些位置的能力，除非…細節不存在，否則我寧願拿到沒有被裁切、比較平的影像，讓我在後期製作中能決定曝光曲線（Exposure Curve）的形狀，讓影像在欲播出的格式擁有最佳的畫面。 5：如果可以，以你想看到的影像樣貌進行拍攝 想要鎖定你影像樣貌的最好機會，就是在進行拍攝的當下。有很多攝影指導（DoP）跟我說，他們因為知道專案將製作數位中間片（Digital Intermediate – DI），所以把燈光打得很平，如果你有像史蒂芬史匹柏的預算，那就問題不大，但如果你沒有那樣充裕的預算，那就在拍攝時盡可能的拍成接近你所希望的影像樣貌。 在現代的調光軟體，我們擁有很棒的工具可自由運用，然而，我們使用越多這些工具，表示我們花的時間越多。因為預算永遠都有限，因此某些事就必須放棄。 身為調光師，我真的希望讓你 – 攝影指導 – 開心，但付錢的人才是真正的老闆，如果留太多關於色彩的工作給後期製作，也許並非全都能搞定，這就是生意的最真實面。 另一個在片場就要得到你的影像樣貌的理由是，就如同我前面所提到的，製片及導演習慣於在漫長的剪輯過程中，就會看到他們的電影的樣貌，舉個痛苦的案例，因為製作人說在看測試片時受到朋友們的讚賞，導致數位技術人員（DIT）在片場所做的設定產生了不正確的毛片提供給剪接師，而我則被強迫去符合那可怕的影片樣貌。 額外紅利：在每次重新設定燈光時，請務必要拍圖卡 這對於獲得你所想要的會有一個很好的起點，避免了許多從攝影機到後期製作完成之間的變數。我應該在前面的文章的某一節裡包含這一點，但最終還是覺得它值得單獨成為一點。 總而言之，我們全都朝著相同的目標前進：讓所完成的專案樣貌達到最完美。讓溝通的管道始終保持暢通，則將有助於我們達成一目標。 感謝www.alphadogs.TV 的Terrence。AlphaDogs乃是一家位於美國加州柏本克（Burbank）的後期製作及設計公司，為電視、電影及新媒體等，提供完整的創作完成服務。 原文出處：http://goo.gl/NukGgt

作者： Simon Wyndham 日期：2016年6月24日 Simon Wyndham 認為，在調光時、尤其是極度的調光，應該要考慮調光的效果，是否會增強或減損影片整體的觀賞經驗。 絕大部分在電視或電影院（現在甚至是網路線上）的影片，都可能經過調光（Grading）、或校正Gamma及色彩的處理過程，即使是低預算的作品也都屬於常態。但調光可以做得太過頭嗎？ 我們所有的工具都應該是用來加強我們在螢幕中所述說的故事。回到以前我們所知道的，如：“歡樂谷（Pleasantville）”、“霹靂高手（O Brother, Where Art Thou?）”等，這些完全數位調光的電影，它們的樣貌都蠻極度，且都算符合所想要達到的目的。 調光的目的 電影的樣貌應該就只是 – 為故事服務（Serve the Story）。但它能否分散觀眾的注意力 及/或 矯飾嗎？我最近看了BBC電視台英國版 “神探維蘭德（Wallander）” 電視劇的最後一集，讓我感到最震驚的是，影集的樣貌與調光讓我無法專心於故事。我沒有辦法、但就是一直注意到它看起來是多麼的冷、灰、及消沈。顯然的，這就是它調光的目的，但這是否太過頭了呢？ 跟我一起觀看的人，我注意到她以前從沒認真的想看這部影集，因為她不喜歡預告片畫面看起來的樣子！我跟其他人談論過，他們也都表達了類似的觀點。 如果觀賞者在還沒看內容的情況下，調光就已經讓他們感到退卻，那麼事情就大條了！調光與電影內容應該是無縫的結合成一體，電影製作的某一個實際元件，不應該單獨進入到觀賞者心中，否則就犯了電影製作的天條。 成形的手法 在沒有數位調光之前，就已經在使用各種樣貌，其中最富創造力、且曾經一度流行的樣貌，就是漂白風格（Bleach Bypass）的處理，其中以史蒂芬史匹柏的“搶救雷恩大兵”最經典。 此處理通常牽涉到中間負片（Internegative）略過或部分略過沖片的漂白（Bleach）階段，而其結果造感光乳膠（Emulsion）中的銀獲得保留，降低了曝光度、增加了對比和顆粒，而得到不飽和（Desaturated）的樣貌。 “搶救雷恩大兵”有效的運用了這樣的處理，它完全適合於此電影及其顆粒感的戰爭場面。約翰法蘭克海默的電影“冷血悍將（Ronin）”也有相同的處理且更巧妙的運用。 這兩部電影，對於為什麼要選擇某一種樣貌、及如何好好運用它，提供了很好的說明。相同的化學處理，一個比另一個更極度。史匹柏想要重建舊新聞影片的樣貌，在拍攝時使用無鍍膜鏡頭的效果也差不多如此。電影的樣貌很突出，但並不會分散觀眾的注意力，因為它所呈現的樣子，適合於我們所觀看的內容。 另一方面，“冷血悍將”更巧妙的使用此效果，法蘭克海默想要顆粒感的樣貌，也許帶有一點以前恐怖間諜片的淺色，但此樣貌從不會造成注意力分散，因為仍保留了真實的顏色。 當進行新舊電影的比較時，帶出了一個關於處理步驟的有趣想法，在DI（數位中間片 - Digital Intermediate）來臨之前，電影的樣貌必須在拍攝時，透過濾鏡的使用、或沖片過程中進行化學上的創作，而成形（Baked-In）。這兩種方式，如果中間發生差錯、或行不通，就可能要付出很高的代價。因此，樣貌的創建是根據事前的許多想法而生。 要極度嗎？ 因為數位處理已經掌控了世界，我們所看到的各種樣貌，經常是非常極度，而且並非全都好好的幫襯電影。我們必須要記住，當我們創作一些東西，我們是在服務我們的觀眾、而不是在服務自己。我們是希望他們沈醉在我們的世界裡，還是要讓他們注意到創作電影時所使用之技術上的處理過程呢？ 想當然的，我是反對過度調光，必須考慮它如何幫襯某個目的，而不是你希望它看起來冷或暖，而調到極限。你的色盤應該在場景及服裝設計的階段就開始，而不是在調光時才決定。如此一來，你可確保一致、且製作出經通盤考慮之後而決定之適合電影的樣貌。 原文出處：http://goo.gl/X6m3SL

菜鳥攝影指導（DP）常常免費為人工作，如果你已準備好要開始自己的拍攝生涯，你會想知道為什麼。 大部分的人從沒想過要免費為人工作，但電影攝影師卻長期忍受著這樣的事。有些人認為這在電影產業是非常不好的惡習，但有些人卻也視它為入行的必經艱辛歷程。不論你支持哪一個觀點，但有很多理由可以說明，為什麼菜鳥攝影指導總是被期待無薪工作。 建立Cinematography Database網站的Matthew Workman，最近在他的影片中，談論這件事的10個原因： 在更進一步探討之前，建議你先觀看另一支Workman關於在製作不同的層級中，電影攝影師可賺多少錢的影片（http://goo.gl/bo2DAr）。總之，下面是Workman對於菜鳥攝影指導拿不到薪水這件事，所提及的10的原因： 現在，進入這一行的門檻非常低，也就是說，有一台攝影機、有一套剪輯軟體，並不是什麼太了不起的事 — 任何人都可以擁有這些東西。你必須提供客戶更多的動機。 Workman毫不掩飾的說 — 在職業生涯的初期，你的作品很爛。 當你還在磨練手藝時，你怎麼能期待客戶會付錢給你？ Workman在之前的影片，曾經談論過製作的四個層級（http://goo.gl/bo2DAr），其中提到根據攝影指導的經驗及其他因素付錢。如果你屬於“單飛（Solo）” 層級，有很大的可能你不會賺到半毛錢。 如果你沒有作品集影片或履歷，客戶可能不會冒險雇用你（除非你是免費）。 如果你試著往上爬一個層級，例如說：從 “獨立製片（Indie）”提升為“產業（Industry）”，如果你是免費的話，也許可以說服客戶冒個險、雇用低一個層級的你，而不雇用已經真正從事內容製作、夠資格的攝影指導。 菜鳥攝影指導必須證明給客戶看：他們是值得信任的。方法之一就是透過免費拍攝比較小的專案（提案 - Spec Project），讓你的客戶比較清楚的知道，是否要在較大、更貴的專案（為了賺錢）雇用你。 做一個攝影指導，不僅僅就只是攝影機及你所拍的漂亮畫面，它是關於一些“無形的資產”— 你如何與其他人配合工作、對於組員你如何鼓舞士氣等。有時這也就代表免費工作，以便向客戶展現在你的作品集影片裡，沒有辦法看到的其他事。 從事提案是攝影指導在這個產業裡要引起注意的主要途徑，但這並沒有錢可拿。 Workman敘述了他成為攝影指導的心路歷程，知道嗎 — 他做了很多免費的工作。 那麼，現在你明白了！當然，相信會有很多人對於Workman的看法有意見；但肯定也有很多人同意他的看法。我知道我免費為人工作很多次、且很感激有這樣的機會；但也有很多次免費為人工作之後，想著“這些傢伙下次就算付再多錢，我也不幫他們幹！” 原文出處：http://goo.gl/jafZgu

儘管網路上關於如何成為更好的編劇（Screenwriter）的密技與竅門已經多如牛毛（我們甚至還有自己的權威 - Christopher Boone），但編劇大神們鮮少恩賜我等平民百姓。無論是以所賺的錢、或以所寫的頁數來衡量，要獲得成功並不容易，它完全取決於你願意為此工作付出多少心力及有多大的堅持。那麼，編劇到底要實踐哪些事，才能在往後的寫作及創作習慣中更快的受益呢？電影製作人Darius Britt分享了8個關於劇本創作的密技，它們可幫助你建立紮實的基礎，並增強你的技巧。 下面Britt的影片中所提到許多事，從長遠的角度來看，都將對你有所幫助，因此，如果你尋求的是速成法，那這些可能就不適用 – 事實上，我不認為有什麼可以讓你速成的方法。真是可憐編劇的杯具人生，不是嗎？總之，讓我們來看看這段影片吧！ 如果以前曾經尋找過這個主題，你可能已經閱讀過其中的一些密技，例如：閱讀劇本、觀看電影等。然而，Britt對於為什麼這些非常重要的深刻理解，完全切中要點。例如：他其中一個密技是“每天都要寫” – 經常聽到的一句話。老實說，在編劇之間對這一點有很大的爭論。有些認為，在不喜歡的時候寫作，只是浪費時間，因為你沒有靈感（你變成了一台機器、而不是藝術家）；有些則認為，持續不斷的寫作，可建立成功所需要的專業規律。而Britt說到了一個很棒的要點：每天都寫的編劇，也許比只是偶而寫的編劇更能成為好的編劇。為什麼呢？眼前的事實是，每天都寫的編劇寫的比較多，因此練習得比較多。因此，你寫的越多、你會變得更好。 對於任何認真的想成為編劇的人，Britt建議要建立每日例行公事（有些是也許是每週做）； 記下你周遭所發生的事用於寫作；聽取別的編劇關於他們的歷程；觀看好的/不好的電影，瞭解什麼可行及為什麼、哪些不可行及為什麼；觀看 “唐人街（Chinatown）”、及像是“降世神通：最後的氣宗（ The Last Airbender）” 等電影，你可以獲得關於結構、角色發展、及對白的知識；閱讀並研習劇本，我書架上只有劇本，它們不是用來加深各位對我的印象（總之，它們不是、也不會），就算你每週只讀一本、也只是稍微的加以研習，一年之後，你就會有52本劇本的故事架構、角色變化、人物的原型、及對白，在你腦海裡縈繞。 要做的事很多，而你不會立竿見影的馬上見到結果，但得繼續不斷的努力，很快的你就會發現變得不一樣了，這就像上健身房一樣，只是不需要流那麼多汗水。 你每天（或每週）都做些什麼事，讓你成為更好的編劇呢？ 原文出處：http://goo.gl/vOFi3k

日期：2016年7月20日 作者：MICHAEL ZHANG 想瞭解用於知名電影中著名場景的構圖意匠嗎？Composition Cam的Raymond Thi透過靜態畫面、再加上桃紅色的線條，告訴你諸如：對稱（Symmetry）、三分之一（Thirds）、四分之一（Quadrants）、三角形（Triangles）、對角線（Diagonals）等畫面構圖。 也許你還記得上圖的影像，它是導演史丹利 庫伯力克（Stanley Kubrik）的電影“鬼店（The Shining）”中一個鏡頭。下面是由Thi所製作的其他更多的影像： 你可關注Thi的Twitter專案帳號@comp_cam，其中有更多的構圖。此外，Thi也創建了名為Composition Cam的手機APP，讓你在用手機拍照時，將這些相同的構圖線條疊加在畫面中，做為構圖上的參考。 原文出處：http://goo.gl/YCWd4H

作者：Phil Rhodes 日期：2016年7月1日 對於新款的攝影機有著各式各樣的意見，而有時你所感知的缺陷，並非真的是缺陷 別相信在網路上所看到的一切事物。 雖然大部分的人都相當熟悉此一箴言，但在很多方面，大眾對網路上胡言亂語的抵抗力無疑的很弱。當然，政治及宗教是眾所周知要避免的主題，但當人們在攝影機設備投資了大量金錢之後，他們會變得驚人的敏感。不論是電影攝影機或番茄湯，若要以此讓人們變得特別愛戀某個特定製造商的產品，這樣的動力是薄弱的。這也是為什麼網路上關於攝影機設備的爭論、尤其是對於察覺到的缺陷，會如此極化且迅速。 Sony FS5 的案例 這個，我們在幾個月前以嚴肅的態度，討論過一次關於Sony FS5編碼（Code）的改變，及降雜訊（Noise Reduction）的設定。查詢網路上的意見，也許會看到說它在雜訊處理上有嚴重的問題，但事實上，攝影機在根本上並沒有什麼不對。當Gain值設定成很高時，會引發許多雜訊，因此可能會有明顯的降雜訊痕跡。除此之外，編碼的設定在某些情況下，優先處理細節的保留，而將避免出現壓縮的痕跡放在其次，但這無法滿足每個人的品味。“品味（Taste）”一詞是嚴酷的，例如：雖然編碼的設定，偶而會在漸層的天空出現等高線（Banding），但這只是選擇上的問題、並非缺陷。降雜訊及壓縮就會產生加工過的痕跡，這就是人生。 也許，Sony至少已經察覺這樣的變化，從他們提供更新韌體的速度來看，早在軒然大波之前，就已經開始著手進行了一段時日。然而，重點是， 此問題的被廣泛討論，已經超過了它真正的重要性。我們有充分的理由相信，Blackmagic URSA Mini 4.6K也將會發生類似的情形。 關於 4.6K 紫邊的原因 要找到用這台攝影機所拍攝、在影格角落有洋紅色邊緣的影像並不困難，有經驗的人，看到這些影像，將趨向於做出似乎正確的結論：某些類型的鏡頭與4.6K攝影機的感光元件之間，產生相互的影響。某些類型的鏡頭、尤其是舊款的鏡頭，也許不是Image-Space Telecentric鏡頭（請參考本文末的譯註），也就是說，從鏡頭出來的光束並非全都是平行的。研發這些較舊的鏡頭時，對於膠捲來說，在當時並沒有什麼問題，各種對色彩敏感的塗料層堆疊起來的厚度有限，對於因厚度而引起的微小角度偏差，一般不會有什麼問題。而這樣的偏差，對數位感光元件而言，則影響非常大，主要是因為感光元件的實體結構，會加重感光元件對於非垂直光線的敏感度。 有些感光元件，其感光區域（Photosensitive Area）是稍微下陷、位於內凹的底部。以極大角度進入的光線，至少會稍微射在內凹的側邊，也就是說，一些光線遭遮擋，導致無法到達感光單元（Photosite）。此問題的另一個因素是因為使用微透鏡陣列（Microlens Array），它是放置在一張感光元件前面的微小鏡頭，用來補足現代感光元件填充係數值（Fill Factor）不足的缺點，感光單元之間的空隙，通常還包含了為增加其他功能而設置的額外電路。微透鏡的邊緣對邊緣相互接觸，將光線集中進入感光區域，這可增加敏感度並降低鋸齒，但整個的安排，對於入射角度的敏感度，變得比直射進入的光線更高。 所有這些技術完全正常且常見，常用於對於解析度、感光度、及影格速率無需高效能的攝影機。電影攝影機一般都需要高效能的感光元件，以簡單易懂的結論來說，現代的鏡頭是依照更能搭配現代的感光元件而設計，而舊鏡頭搭配新感光元件（或甚至有些現代鏡頭在設計時，並未將上述所提的重要事實列入考慮），就可能產生問題。這並非什麼新鮮事，用舊相機鏡頭搭配新相機所產生的問題，已經超過十年以上了。 關於此問題的可接受度 – 視它為一種特性或缺陷 – 只是程度上的問題。有些感光元件比其他的感光元件更容易產生周邊暗角；有些鏡頭也比其他鏡頭更容易發生。我懷疑這是導致網路譁然的根源：有些人的裝備組合，會導致問題的產生、而有些人則不會。而鏡頭檔位（Stop）的設定值也是個變數，較高的F數值降低了問題的發生，因為它們減少了光線可進入感光元件的角度。因為問題很細微，所以常被場景的內容物所遮蔽，此外，完全根據到底用了什麼設備、及到底設定值為何而定。 邊緣校正？ 如果我們要考慮解決方案，有一件從本質上來說確實可做的事：在URSA Mini進行鏡頭校正（Lens Shading Correction），跟ENG攝影機經常在做的方式差不多。這可能可行，而Blackmagic將充分意識可能的解決方案 – 相同的，這也並不是什麼新技術，且一直都這麼做。而它也可能不是通用的解決方案，因為光圈及Zoom設定的改變，導致問題的多變性。 說到底，最終我們必須記住網路上人云亦云的影響力。我在這裡並非為Blackmagic找藉口，沒有任何人要求我寫這篇文，而我也沒有因此文獲得任何額外的獎賞。問題在於不要接受社群媒體中許多無意義的評論，對於產品的嚴肅問題產生錯誤的印象，這對產品並不完全公平。 保持洞察力 根據我的瞭解（且我希望能瞭解更多），Blackmagic URSA Mini 4.6K真的是很棒的設備，擁有極好的人體工學、踏實的影像、及目前仍為最好的取景器（URSA Viewfinder）之一。雖然或許可拿“它只是此公司第二、或第三代攝影機”為藉口，但從其價格來看，真的不需要任何藉口。在未來，讓我們盡可能不要完全採信社群媒體中人云亦云的說法，而直接跳到結論。 原文出處：http://goo.gl/mIWCcL 關於攝影機的詳細介紹：https://www.getop.com/cameras 譯註： Image-Space Telecentric 鏡頭 Object- Space Telecentric 鏡頭

作者：JOURDAN ALDREDGE 日期：2016年7月14日 我們知道頭銜，也賞識一些偉大的攝影師，但攝影指導（DP - Director of Photography或Cinematographer）在電影製作到底真正的做些什麼事？讓我們來探索吧！ 當要定義一部電影整體的樣貌及感覺（Look and Feel）時，沒有比電影攝影師能扮演更重要的角色了。要塑造電影視覺的美學，攝影指導對於攝影機、構圖、打光、及電影史等必須有非常深入的認識。他也會參與製作過程中許多其他的部分。讓我們就從最開始談起吧！ 前製（Pre-Production） 攝影指導通常由製片（Producer）、或因導演推薦，參與製作專案。有些主流的導演跟同一個攝影指導合作了幾十年。 攝影指導在製作過程中需要盡早且經常參與，因為他對於如何詮釋腳本、決定電影的風格及色調等，有很大的幫助。電影風格的主調一旦確定，攝影指導將為攝影機及燈光進行攝影組團隊（或部門）的建立。 分鏡腳本（Storyboard） 雖然攝影指導也許並非真的親自動手畫，但電影攝影師仍必須認真刻苦的仔細看電影腳本，並為每一個拍攝片段（Shot）建立視覺的圖畫。分鏡腳本再加上完善的拍攝順序表（Shot List），將呈現電影整體的佈局，如此一來，導演及製片就可安排與計畫整個製作。 攝影機（Camera） 要為電影建立統一的風格，很大一部份乃在於為各場景選擇攝影機及鏡頭。一開始就必須決定用數位還是膠捲，要考慮的是兩者會各自產生如何的特殊樣貌。除了選擇攝影機之外，特定的鏡頭及鏡頭配件產出了每一個拍攝片段的最佳拍攝結果。 打光（Lighting） 攝影指導是從一個照明電工、到整的燈光組的總管，他將指定每個場景的燈希望怎麼打。燈光的設置非常多樣化，從精心設計的整個拍攝場景、到一顆中式的燈籠（China Ball）。從燈光藝術的角度來看，電影攝影師就像是一位用每一個層次的亮部及暗部當畫筆，在拍攝的影片中作畫的畫家。 構圖（Framing） 除了燈光之外，攝影指導配合他的攝影機操作員（Cameraman），為每一顆鏡頭依照他認為適合的方式構圖。攝影構圖有時很花時間，且需注意到畫面中的每一個細節。 運鏡（Movement） 為了讓觀眾更加融入電影，許多拍攝片段都結合了某種程度的攝影機運動，更進一步讓燈光與構圖更複雜。基本的移動，例如：Pan及Tilt，再搭配鏡頭的推進、升降、及縮放（Zoom）等，需要組織良好的劇組，為跟上攝影機的拍攝畫面，進行所需的燈光移動、滑軌車移動，甚至拆除牆面等。 一旦拍攝完成，攝影指導在後期製作的過程中，可能也深度的參與。雖然通常對於故事劇情的剪接沒有發言權，但攝影指導可能要配合調光師及剪輯師，更進一步發展電影畫面中視覺元素的安排。 儘管對於電影的評論導演獲得絕大部分的榮耀（或指責），而製片也許獲得最大的收益，而電影攝影師常常是電影製作的默默英雄，但電影的畫面是唯一以視覺方式，與觀眾溝通及表達之物 — 並且可歷久不衰。 原文出處：http://goo.gl/CsXg0p

日期：2016年8月8日 作者： SEBASTIAN JACOBITZ 最近從收到一些人的訊息，他們說他們很喜歡我的照片，但不幸的是他們沒有“攝影眼”。這激發了我的靈感，寫這篇關於基礎美學（Aesthetics）及它與攝影之間的關係的文章。 表達你的意見 當我們論及美學，意思是指一些普遍比較悅目的事物 — 它可以是照片、繪畫、或雕塑。 在討論照片的品質時，經常發生的一件事是，人們對於自己在攝影上的能力感到害羞，因此認為他們無法評論一張照片。但我認為，每個人都可以評論照片，並表達他們喜歡與否；在表達自己的意見時，你不需要是個專家。 攝影師與其他任何人的差別，並不在於他們注意到美好事物的能力，而是攝影師同時也應該要能解釋為什麼某些元件令人愉快、而某些則否。每個人都天生自然瞭解美學，每一個人都看得到，但僅有少數人可真正的分析照片，且能解釋創作的技巧，進而創作出美麗的照片。 這些技巧並非由一些專業畫家所“發明”，它們是在許多不同的學科中發現的，例如：黃金比例（Golden Ratio）不僅在攝影及繪畫上很重要，在建築、數學、甚至於在花朵的排放上，也都很重要。這意味著，我們可透過套用其中的一些通用規則，創作出直覺上來說大多數人都會覺得和諧的照片。 組合的元件 引導線（Leading Lines） 觀賞者的眼睛自動的被線條及其他幾何形體引導，引導線有助於將焦點置於主題物上，讓它們成為被注意的中心。如果目光自然的移動可循著這些線條、且終點落於主題物上，這給予非常和諧悅目的印象。相反的，若逆向而行、逆流而上，則會非常沈重有壓力。 三分定律（Rule of Thirds） 與黃金比例稍有不同，三分定律乃近似值，將影像分為三個區域。將主題物放置在稍微偏離中心的位置，常常會更討人喜歡。這不僅只是意味著水平方向的比例、亦即從左到右，也意味著從下到上的垂直方向。 這讓我們有四個“理想的”放置主題物交點（左上、右上、左下、右下）。在街景攝影，使用上方的配置區域，讓我們得以顯示更多主題物的內容，讓它們成為吸引我們注意的最佳焦點。 三角形（Triangles） 幾何形體有助於控制照片的流向，它們為觀賞者建立基本的遵循架構，且因為如：三角形或圓形的沒有終點，因此建立了一些動態的律動。 單數定律（Rule of Odds） 上面的照片已經闡述了三個主體物形成三角形的範例，但不僅只是三角形才能讓觀賞者覺得悅目 — 5個、甚至於7個有趣的點，都可大大增加影像的美學值。 單數定律背後的心理特點是，偶數主題物很容易被組織、易於配對（2、4、6等），而這對於我們的腦袋，並不覺得是件有趣的工作。 破對稱（Breaking Symmetry） 一張對稱的照片是很棒的作品，但一張100%對稱的照片太容易理解。為了讓照片更有趣味性，你可透過將一個主題物，讓它稍微偏離中央切割線，而達到此一目的。 建立清單 上面所列出的組合元件清單，可幫你創作出美學上很悅目的照片，而你並不需要一雙與生俱來“眼光獨到”的眼睛，才能看到有趣的影像。此外，請記住每個人都具有美學的辨別能力，而差別在於是否能解釋及創作賞心悅目的照片或圖畫。 基本的定律並非創自一些才華洋溢的大師，它們只是讓你能容易的為照片產生足夠張力、而不會過度雜亂的普通法則而了。換句話說：一張在美學觀點上成功的照片，也並不會自動的就成為一張很棒的照片；它只是為說故事提供了一個漂亮的基礎架構而已。 關於作者：Sebastian Jacobitz是一位27歲柏林的業餘街頭攝影師，在都會區裡捕捉每一天的生活。 原文出處：http://goo.gl/3U7Cbt

作者：V Renée 日期：2016年9月3日 除了打板以外，攝影二助做很多事 雖然攝影二助（2nd AC）有時似乎是個不受人注意的工作，但在拍攝現場，你有許多可讓每個人日子過得輕鬆一些的事情可做。下面是來自Film Riot非常有用的影片，讓你瞭解在拍電影的專案，第二攝影大助做哪些事，同時也提供了如何讓這些工作做得更快且更好的一些密技。 主持人Ryan Connolly對於攝影二助的工作，分享了許多很棒的看法。為了讓你容易點，下面列出了他所提到攝影二助的任務，及完美達成這些任務的技巧。 打板 這個看起來似乎再簡單不過了，但打板（Slating）還真是一門藝術。你必須讓剪接師能清楚的看到、聽到，且能看到與每一個場景相關的所有正確資訊。下面是如何才能辦到的技巧： 熟知每一個場景（現在是哪個場景/Take/Roll）。 清楚說出打板的內容。 將打板放置在能充滿畫面的位置。 避免“客串演出”！（譯者註：除了手之外不入鏡。） 隨身攜帶一塊小打板（Insert Slate），在正常大小的打板，因太大而無法容入畫面時使用（例如：非常近距離的特寫）。 換鏡頭 身為電影人，你也許會經常跟別人交換心愛的鏡頭，而在別人的拍攝專案，你應確實遵循適當的準則： 用指尖、而不是手掌從攝影大助（1st AC）手上接過鏡頭（避免弄髒）。 一旦取下鏡頭，用手遮住攝影機的感光元件。 當攝影大助將鏡頭交給你時，你在確定穩穩的接住之後，要說聲“拿好了”。 蓋上鏡頭的前、後蓋（蓋子都放在攝影機袋裡、不要放在你的口袋）。 換鏡頭時，無論如何都不能急速行事。 設置標記 同樣的，這也是一件看似簡單、實際上需要一些技巧才能做好的工作 – 為演員設置標記（Mark）。下面是一些如何像個專家般，使用你的1吋攝影紙膠帶的技巧： 為每一個演員挑選一個顏色，並將螢光色留給攝影機標記（Camera Mark）使用。 在膠帶的尾端反折、保留易於將標記撕下的頭，同時也方便多撕一些膠帶。 T字標記不要過小、要讓T字夠大（4吋 x 12吋 或 10公分x30公分就很好）。 事先準備4吋長、留有易於撕下的頭的膠帶，將它們貼在隨身小打板的背面，應急時立即可用。 讓演員知道你將撕掉標記、或只是會用個小點做標記。 為各種不同的地形準備不同的T字標記：沙袋T字標記、金屬T字標記等。 在貼膠帶之前，先用氣瓶吹掉表面的灰塵/髒污。 看完以上的影片和說明，現在你可以開始出去工作，並成為最佳攝影二助！ 對於攝影二助，你有任何建言或密技嗎？歡迎在底下留言，分享給大家。 【硬漢加夫】腰掛快扣全組合→ https://bit.ly/3oL51fb 【硬漢加夫】影片→ https://goo.gl/EFYzmA 原文出處：http://goo.gl/PG2wLr

作者：YOSSY MENDELOVICH 日期：2021年1月31日 讓我們來探索對於獨立製片而言，世界最大、也是最重要的日舞影展2021背後的攝影機。我們的結論：ARRI ALEXA Mini仍維持掌控著小心謹慎的電影工作者，而BMPCC（Blackmagic Pocket Cinema Camera 口袋電影機）以其4K及6K兩款機型侵入。請參閱後面的圖表。 日舞影展 2021：攝影機製造商 日舞影展 2021 背後的攝影機 日舞影展包含了紀錄片（Documentary）及劇情片（Dramatic）兩競爭類型，而兩者皆有長片及短片的獎項。此一非常重要的獨立製片影展，儼然已成為驅動我們業界前進的重要引擎。相對於我們各式各樣的攝影機調查，這個也許是最有趣的一個，因為它對於真正夢想家用來述說故事所選擇的攝影機，與預算充足的商業電影所選擇的攝影機進行了比較。 日舞影展2021（照片提供：聖丹斯協會） 日舞影展 2021：影片及攝影機 下面的列表顯示了今年電影節（日舞影展 2021）首映的33部敘事電影所選擇的攝影機，資料是根據IndieWire電影調查（參閱IndieWire的文件，進一步瞭解這些電影的拍攝過程）。排行榜則位於列表之後。 Censor - 攝影指導：Annika Summerson，攝影機：ARRICAM LT、ARRICAM ST、Sony VENICE。 CODA - 攝影指導：Paula Huidobro，攝影機：Sony VENICE。 Coming Home in the Dark - 攝影指導：Matt Henley，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Eight for Silver - 攝影指導：Sean Ellis，攝影機：ARRICAM ST、ARRICAM LT。 El Planeta - 攝影指導：Carlos Rigo Bellver，攝影機：Blackmagic Pocket 4K。 Fire in the Mountains - 攝影指導：Dominique Colin，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 First Date - 攝影指導：Manuel Crosby，攝影機：Blackmagic Pocket 4K。 Hive - 攝影指導：Alex Bloom，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Human Factors - 攝影指導：Klemens Hufnagl，攝影機：Sony F55。 I Was a Simple Man - 攝影指導：Eunsoo Cho，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Jockey - 攝影指導：Adolpho Veloso，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 John and the Hole - 攝影指導：Paul Özgür，攝影機：ARRI ALEXA LF。 Judas and the Black Messiah - 攝影指導：Sean Bobbitt，攝影機：ARRI ALEXA LF、ARRI ALEXA Mini LF。 Knocking - 攝影指導：Hannes Krantz，攝影機：Sony FS7。 Luzzu - 攝影指導：Léo Lefèvre，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Ma Belle, My Beauty - 攝影指導：Lauren Guiteras，攝影機：ARRI AMIRA。 Marvelous and the Black Hole - 攝影指導：Nanu Segal，攝影機：ALEXA Mini。 Mass - 攝影指導：Ryan Jackson-Healy，攝影機：ARRI ALEXA Mini、ARRI ALEXA SXT。 Mayday - 攝影指導：Sam Levy，攝影機：ALEXA Mini。 Mother Schmuckers - 攝影指導：Sylvestre Vannoorenberghe，攝影機：ARRI Amira、Canon C300 Mark II。 One for the Road - 攝影指導：Phaklao Jiraungkoonkun，攝影機：ARRI ALEXA Mini LF。 Passing - 攝影指導：Edu Grau，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Pleasure - 攝影指導：Sophie Winqvist Loggins，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Prime Time - 攝影指導：Michał Łuka，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Prisoners of the Ghostland - 攝影指導：Sohei Tanikawa，攝影機：ARRI ALEXA Mini、ARRI ALEXA SXT。 R#J - 攝影指導：Diego Madrigal，攝影機：Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K。 Son of Monarchs - 攝影指導：Alejandro Mejía，攝影機：ARRI ALEXA Mini、Canon C300 Mark II。 Strawberry Mansion - 攝影指導：Tyler Davis，攝影機：ARRI AMIRA。 Superior - 攝影指導：Mia Cioffi Henry，攝影機：ARRI 416。 Together Together - 攝影指導：Frank Barrera，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Violation - 攝影指導：Adam Crosby，攝影機：Blackmagic Ursa Mini Pro G2。 We’re All Going to the World’s Fair - 攝影指導：Daniel Patrick Carbone，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Wild Indian - 攝影指導：Eli Born，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 日舞影展2021（照片提供：聖丹斯協會） 日舞影展 2021 攝影機排行榜 詳閱下面根據上述資料所做出的排行榜（資料提供：Y.M.Cinema Magazine）： 日舞影展2021：攝影機排行榜 洞悉 一般而言，陽光底下無新鮮事，ARRI以其Mini掌控全局，在日舞影展2019及日舞影展2020的攝影機調查確實如此。除此之外，一些其他的電影攝影機也是完全可預期的。然而，若仔細查閱排行榜你不難驚喜的發現BMPCC（Blackmagic Pocket Cinema Camera），很棒的BMPCC搭配了高階的鏡頭（Cooke Anamorphic及Angenieux Zoom）用於三部電影（First Date、R#J”、及El Planeta）。以此來看，DP做了些聰明的決定，將錢投資在鏡頭上、而不投資攝影機。關於鏡頭的總總，請密切注意我們下一篇焦點放在這些電影背後所使用的鏡頭的排行榜。

史蒂芬史匹柏如何建構戰鬥場景？ 即使觸動了受苦於創傷後壓力症候群（PTSD）的二次世界大戰老兵，對於D-Day的痛苦記憶，搶救雷恩大兵（Saving Private Ryan）仍被稱為史上最真實描述戰爭的電影之一。那麼，史蒂芬史匹柏是如何精準的捕捉諾曼第（Normandy）登陸的恐怖與混亂、同時又能在故事體（Diegesis）中維持觀眾的認知、引導觀眾呢？Evan Puschak在下面的影片中，清楚的解釋了導演的獨特電影手法。 有很多導演都拍過關於D-Day的電影，但幾乎沒有一個能像史匹柏的1998年搶救雷兒大兵拍得那麼好。當然，用來描述第一個戰爭場面用最多的形容詞，莫過於“寫實（Realistic）”、“真實（Authentic）”、和“身歷其境（Immersive）”， 且確實也是如此。史匹柏用了一些電影技巧，讓觀賞者跟著同盟軍一起身處奧馬哈海灘（Omaha Beach）。透過運用手持攝影機的運鏡（模擬真實二次世界大戰的攝影師）、剪輯、及音效設計等，史匹柏得以創作出戰場上的混亂、慌亂、及迷惑。 “每一個人都能捕捉到混亂 但只有最棒的人才能透徹的捕捉。” 然而，Puschak對於史匹柏的搶救雷恩大兵的戰爭場面，提到很棒的一點：在他們處理拍攝戰爭的混亂時，他們同時也非常協調一致。就如影片中所說，史匹柏對於Shot的選擇極度簡約，在一個鏡頭（Take）中，常包含了寬景（Wide）、中景（Medium）、特寫（Close-Up）、及插入鏡頭（Insert Shot），而每一個Shot從前一個Shot的動作跳躍而至。 這些，再加上他模擬攝影機的技巧，讓觀賞者在觀看此景時，擁有非常獨特且強大的觀賞經驗，到目前為止幾乎沒無人能仿效 — 觀賞者能夠一覽無遺的觀賞戰役，且在情緒上、但非心智上迷亂。就像Puschak所說的，史匹柏巧妙的攝影機運鏡計畫和技巧，能透徹的捕捉混亂。 原文出處：http://goo.gl/zBzKCY

在這段 Cinematography Industry（CinDustry）影片中，我們涵蓋了攝影指導或電影攝影師，如何拿到工作的 5 個密技。這些密技來自於我的經歷與經驗，及我的播客（Podcast）Modern Cinematographer 中的眾多資源。 1. 拍攝、剪輯、分享 創作者應該永遠都在進行創作。你是個電影攝影師，每天都要拍攝，每天！然後剪輯、調光，並將你的作品分享在 Youtube 、 Vimeo 、 Facebook 、 Instagram 、 Twitter 、 SnapChat 、 Music. ly 、 Reddit 、 NoFilmSchool 、 Facebook Groups 等。 千萬不要中斷“拍攝、剪輯、分享”的創作循環，你是個電影攝影師，你需不停的拍攝，如果你中斷了這個循環，你將會很糟，別讓自己變得很糟。 2. 在線上及真實世界進行社交 現在，你在創作作品並將它們公諸於世，用這樣的方法製造交流的機會，吸引在Instagram、Youtube、Vimeo上的人們。你用你的作品與其他創作作品的人碰面，他們知道你在創作，他們想跟你一起創作。 用你的作品跟其他進行創作的人見面。 線上是你應該開始的地方，然後走進真實世界，與你所在地的一些電影人碰面，如果你所在的區域沒有這樣的社群，今天就去創立一個。 參加電影節，並參加之後的派對，隨時跟不認識的人介紹你自己；到設備出租公司，參加如：Rule Boston的Learning Labs或Abel Cine的Workshops課程；參加NAB、IBC等展覽，跟其他喜歡拍電影的人碰面、並保持聯絡。 3. 瞭解你的市場 你需要賺錢維生，這需要一些生意技巧。市場調查，瞭解在你所在區域或鄰近城市裡，製作了些什麼樣的作品，電影、廣告、音樂影帶、現場活動、線上內容、學生電影、工商介紹影片等，找出是誰創作了這些內容，製作公司、廣告代理商、後期製作公司、VFX特效公司，找到這些位於內容背後的人。追隨他們（不要讓人覺得你噁爛或怪異），展現你自己美好的創意並打個招呼。 你有很棒的作品、很好的才能，但若市場不需要你的才能，那你就無法賺錢。 瞭解你的市場，而最終你將會發現一塊適合你的地方。找出你的興趣及才能所在，並熱情的擁抱真實世界。 4. 線上學習電影藝術 我讓這個事情簡單一點，如果你想學習關於電影攝影的技巧，例如：打燈、拍攝技巧、瞭解設備等，現在，就遵循下面的兩個步驟： 加入Shanes的Inner Circle 及 在Youtube、Instagram、Facebook上追蹤Cinematography Database 5. 懷有最大的熱情並將它與拍攝電影結合 在電影行業中，你將需驚人的活力與熱情，才能在業界存活下來，你也需創作出獨特且不尋常的作品。要能長時間持續不變的進行這些事，你必須每天都工作，以瞭解什麼能具創造力的驅動你。你將試著尋找並錯了好多年，但最終你會找到。當你找到時，將它與你的電影製作技巧、你的社交群結合，並用它激發出驚人的作品。 你必須每天工作，以便瞭解什麼能具創造力的驅動你。 例如：科幻、火影忍者迷的電影、滑板、打鼓、手寫書信、職業賭博、唱歌、電子音樂等。 每個行業都是由製造產品或提供服務的公司組成，這些公司需要內容。你對於某行業比其他人都更瞭解，學習該行業、社交於該行業、生活在該行業、成為該行業，為該行業製作內容並賺錢。 現在就去工作吧！ 原文出處：http://goo.gl/EEq0RQ

作者：Phil Rhodes 日期：2017年7月6日 DSC Labs 的 OneShot Plus 圖卡測試 DSC Labs的OneShot圖卡包含了灰階參考，及模擬膚色，側邊則為主要色（Primariy）及次要色（Secondary）- RedShark News RedShark Review：OneShot Plus圖卡，針對向量示波器（Vectorscope）的使用而設計，從設定攝影機的預設值、到調光都大有幫助。 DSC Labs告訴我們，世界上最精準的色彩圖卡，是人類的眼睛。這話從生產測試用圖卡最知名的公司口中說出，可能還真讓人有些驚訝，但卻很合理。 大部分的人都不期待螢幕中的色彩，跟真實世界中的色彩會完全相同，這真是蠻奇怪的。如果我們現在設計一台電視系統，不是應該以這樣的精確度為目標嗎？嗯，事實上我們確實以此為目標...某種程度上來說是如此。如果攝影機及監看螢幕嚴格的遵守標準，在目前技術上還有限的動態範圍內（Dynamic Range），這差不多就是我們所能達到的。儘管多數時間我們的目標並非真是那種刻板的精確度，而是指向優良的攝影，當然，將科技擺在一邊，但多數時間我們甚至不以攝影機精確的遵循標準為目標，如果我們這麼做，對於現代的品味來說，最終所獲得的色彩會過於飽和、且對比太高。我們所期待的，是相對鬆散、主觀品質的...嗯，吸引力？漂亮？我們是否精確的與真實世界相符是很容易判斷的、是可測量的。以主觀上認為是悅目的方式進行近似匹配，只是很個人的選擇罷了。 這個時候，對於所有關於校準或精確度的所有想法舉手投降並捨棄，是件誘人但危險的事。用調光軟體（或一組攝影機的設定）為適合某特定主題而進行調光是件容易的事，但要產生一組規劃，讓我們在將攝影機拍攝非我們所預期的事物時，但又不會突然開始看起來很怪，則是件比較困難的事。這意味著，從技術的觀點來看，攝影者必須瞭解標準是什麼、目前的設置偏離了標準多少、及你所做的決定牽扯到多少的優劣勢。而這也正是DSC Labs許多產品的目的所在，本文所談論的只是其中一項產品：OneShot圖卡，它對於本文的主題有最直接的說明，也是日常工作中很方便的參考圖卡。 圖卡的表面具有高反光，只要它不反射任何發亮物體，可獲得比較好的黑 此圖卡真的可根據經常被提及、熟知的Rec. 709標準、正確的來說是ITU-R BT.709，描述攝影機的特質。在此標準中，紅色、綠色、及藍色在CIE 1931色彩空間圖表中有具體的座標，也就是說，它們是在真實世界中絕對知道的顏色。這些顏色，再加上洋紅色（Magenta）、藍綠色（Cyan）、及黃色等次要色，皆印製在該圖卡中，它們皆為50%的特定飽和度，因為要正確印製這些顏色的完全飽和度有困難。理論上，如果每個人都嚴格遵循標準，那麼螢幕中的色彩應該與真實世界的色彩相符。我們的問題（及此圖卡的設計要回答的問題）是真實到什麼程度。 從向量示波器 DSC Labs的OneShot圖卡的設計，是用來在視訊工程師用來評估色彩的工具 -向量示波器（Vectorscope）中觀看。我們以前曾談論過此測試及測量的特殊設備，但廣義的說它所顯示的是一個色度（Hue）環，頂部為紅色，以順時針方向則分別為洋紅色、藍色、藍綠色、綠色、及黃色。例如說影像出現綠色，那麼在向量示波器中的左下會顯示一個落點，綠色的飽和度越高、落點的位置越往邊緣的方向移動。大部分向量示波器的標靶，是標示紅、綠、藍主要色，及洋紅、藍綠、黃次要色。這些在原本存在於影帶片頭、用來評估色彩的彩條訊號（Clor Bar）中，彩條訊號所產生的落點，在色彩標靶的顯示應該漂亮的集中在中心的位置。 Blackmagic Ursa Mini 4.6K錄影模式設定為Video時，拍攝此圖卡時所顯示的向量示波 理論上，如果我們使用一台（真實的）Rec. 709攝影機拍OneShot圖卡，且適當的曝光及白平衡，它應該在每個區塊中完美的出現一個落點（將向量示波器比例設定為2，因為印刷為50%的飽和度）。這是OneShot與其他如：Macbeth、甚至是X-Rite的ColorChecker等圖卡的明顯區別。Macbeth圖卡的設計必非真的是針對向量示波器，而它所產生的結果，看起來會像是一片隨機的落點。X-Rite因有生產其ColorChecker Video圖卡，具有更有用的主要及次要色，但其經典的圖卡仍比較普遍，因為它廣為使用、且眾所周知它們看起來該是什麼樣子，因此很有幫助，但使用標準的測試及測量儀器，測量OneShot圖卡是當然比較容易。 根據預設值，開啟Blackmagic Ursa Mini顯示LUT的設定，啟動之後讓攝影機在709監看螢幕上看起來很好的設計，這是一般正常的操作 實際使用 實際上，代表圖卡上色塊的落點，幾乎從沒有座落於向量示波器的區域中，紅色常常過飽和，讓膚色看起來比較潤，並讓影像比較暖。而藍色經常比較不飽和，藍綠色的落點常常偏離它所該在的區域，相同的也是為了追求較暖的影像。大部分都以白晝、約6500K的色溫（Color Temperature）產生白，這對於習慣於室內以3200K鎢絲燈照明的觀賞者而言，看起來會是不悅目的冷。不只是攝影機的問題、不只是監看螢幕的問題，也與觀看者在檢視顯示之前所處環境的照明類型有關。 這些特性當然也呈現在上面測試的影像中，其中顯示了URSA內建的“Video”LUT壓低藍色及綠色的飽和度、拉高紅色的飽和度。此外，它也將洋紅色與黃色的色度推向紅色，這也許會讓畫面整體上看起來偏橘，當然，它並未直接明確的宣稱這是“709”模式。此模式的設計，十之八九是為了讓攝影機所拍的影像，在709監看螢幕中看起來很好，這是比較主觀的。 在素材不進行調光的情況下，在錄製時就放入709 LUT是可能的，此圖卡可在建立自訂LUT時使用 有些攝影機有真實的709（True-709）模式，可讓所有的落點都在範圍內，但所產生的影像經常並不符合現代的品味、看起冷冷的、過於飽和且過豔。標準是老的，而品味改變了，因此我們必須考慮為追求更可接受的影像，如何使用圖卡才是最好的。降低飽和度將把代表顏色的落點，朝向向量示波器的中心移動，它代表完全低飽和度顏色。我們可在不影響色度的情況下，降低飽和度，這將導致落點繞著向量示波器的顯示旋轉，且經常至少能讓落點維持在其自己向量上（顯示的中心點與目標區之間的線）。 對於普遍錯誤的事要特別小心，例如：膚色所存在的紅-橘-黃色度。適當的使用圖卡，有助於防止膚色變成如曬紅皮膚的偏紫、或過黃如黃疸。以很低的飽和度拍攝，在調光試著進行彌補時，在一些顏色會造成雜訊。最後，OneShot圖卡本身是個快速的參考，DSC其他的圖卡常常不僅只有主要色及次要色，也有介於其間的色度，也會在向量示波器顯示上有落點。這顯露了介於主要色與次要色之間的色彩（橘色、松綠色等）的問題，它們也許沒有辦法在此簡單的圖卡上看到，但這也是在測試及設置攝影機時就要處理的問題，而真不是在拍片現場才來處理。 圖卡的背面具有白平衡區域及18%灰的區域，可用來做落點的量測 OneShot圖卡對於測量影響事情的要素都適用，從簡單容易讓整個向量示波器偏移的白平衡，到嘗試電視新聞攝影機的高階色彩矩陣（Color Mitrix）功能等。尤其是對於建立或評估如：DSLR等色彩預設值非常有用，因為它可讓我們看到預設值的設計者做了什麼，及它對於各種顏色會產生什麼影響。在進行調光時，這些圖卡也很有用，尤其是在建立色彩描述檔（Lookup Tables – LUT）、或在初始階段為求有一致的起點而進行標準化時。這真的是測試、測量、及標準化目的的本質：瞭解我們從哪開始，就算是我們打算之後會有目的的偏離基準。雖然我們談論了很多關於主觀及時尚，但當我們使用一種配備做各種事時，瞭解它是如何起作用、如何運作，當然是件好事。 原文出處：https://goo.gl/UYCnng 購買 DSC Labs OneShot Plus 便攜型圖卡：https://bit.ly/3psxTd3 購買 DSC Labs One Shot 攜帶型色彩校正圖卡：https://bit.ly/2JigzYE 購買 DSC Labs (SMPTE) OneShot 圖卡：https://bit.ly/34IjKQN

作者：Bad Kreuznach 日期：2016年4月19日 德國施奈德（Schneider-Kreuznach）為其FF-Prime定焦鏡系列，添增了全新格式的大光圈廣角鏡。 Xenon FF-Prime 18 mm廣角鏡 18mm FF-Prime廣角鏡的設計，具備了特殊研發的內部對焦機械結構，讓它與其他FF-Primes定焦鏡擁有相同的尺寸。如此一來，換鏡頭就變得超容易，而一般而言，18mm的鏡頭通常都短很多。超大的T2.4光圈確保其散景（Bokeh）及畫面樣貌，與其他FF-Prime定焦鏡系列一致。對於焦點與焦點外之間的漸變（Gradation）、及焦點外的範圍的樣貌，都進行了最佳化。18mm廣角鏡不僅為室內的拍攝提供了新視野，同時也以其強烈的漸變，提供了空間深度感。其感光元件距離拍攝物的最近距離可達0.4m，因此非常適合用於人像或地景的拍攝，且因具有很好的變形校正，因此也適於建築物的拍攝。 FF-Prime定焦鏡擁有4K解析度（4096 x 2304像素），已針對全片幅感光元件的DSLR攝影機、及專業電影攝影機而特別研發。產品系列現在包含了：T2.4/18mm、 T2.1/25mm、T2.1/35mm、T2.1/50mm、T2.1/75mm、及T2.1/100mm等焦長。這些鏡頭的傑出能力，包含了它們易於裝卸及所拍攝的完美影像質感，這些讓它們擊敗同類型的產品而勝出。不論是廣告、電影、紀錄片、或電視劇等拍攝，都能擔大任、迎刃有餘。 堅達資訊代理 德國施奈德全系列鏡頭及濾鏡，歡迎來電洽詢：02-7720 9899。

如果你需要一個以簡單又直覺的方式，說明數位攝影機如何拍攝影像，那不妨看一看下面的影片，此 YouTube的Some Stuff Explained 頻道的創意小動畫，做了很好的詮釋。 影片中闡述了曝光金三角（Exposure Triangle）— 快門速度（Shutter Speed）、光圈（Aperture）、及ISO — 說明攝影機如何分別的控制它們、將光線以視覺化的分子撞擊感光元件。動畫雖然做得簡單，但可能比你以往所看過的，它能更精確的解釋了關於攝影機的曝光。 若硬是要對此影片有所挑剔的話，唯一的就是影片中說話的速度 — 就算你已經知道其中所講的一些事，有時也很難跟上作者說話的速度。但你可以透過點擊右下角的齒輪圖像（設定項），將影片的播放速度（Speed）改成0.5再行觀看。 除了自己觀看此影片外，並將它分享給你的攝影發燒友，他們將會很感激你。 原文出處：https://goo.gl/6FkwpK

聯合國（UN）測試 警告：如果乘客所攜帶的電池，未依航空當局要求，經聯合國的標準進行測試，或未遵守關於電池瓦-小時（Wh：Watt-Hour）範圍的規定，乘客必須知道所攜帶之鋰電池，可能在櫃台報到時遭沒收。 國際航空運輸協會（The International Air Transport Association – IATA），連同國際民用航空組織（The International Civil Aviation Organization – ICAO），及聯合國（United Nations – UN）對於鋰電池的運輸，都設有清楚的規範。 IATA的2016版危險物品規章（Dangerous Goods Regulations）中，規定每一種類型的鋰電池皆須獨立測試、且不僅只是測試電池蕊，以便確保電池的設計及製造，符合聯合國規章中的嚴格規定。對於容量大於100瓦-小時的鋰電池，亦強加限制。 IATA規章對於乘客攜帶鋰電池搭乘民航機產生影響，同時也影響了經由貨機、陸運、海運時，鋰電池的分類、籤條標明及包裝。 對於製造廠商而言，由授權的獨立機構測試，是一個非常昂貴的過程，但這可確保消費者所購得之電池的設計，符合航空運輸的規範，不僅安全且具最高專業標準。 PAG的聲明 PAG鋰電池都經過Intertek Group PLC測試且通過認證，遵從聯合國的規範（UN Manual of Tests and Criteria, Part III），符合IATA 2016年危險物品規章、2.3.5.9項的規範。 L95電池：Test Report No. 05018716 L95e電池：Test Report No. 1109020113 L96e & L96T電池：Test Report No. 11054580 PAGlink PL96e & PL96T電池：Test Report No. 11054580 PAGlink HC-PL94T電池：Test Report No. 101520017 L90 Slim電池：Test Report No. 102471069 PAGlink PL150 V-Mount電池：Test Report No. 102617072 PAGlink PL150 Gold Mount電池：Test Report No. 101520017 IATA DGR（2016）同時也陳述容量不超過100Wh的單顆鋰電池（如：PAG L90、L95、L96、PL94、及PL96電池），以手提行李進行空運時，未限制數量；單顆電池為100Wh至160Wh的鋰電池，如：PL150電池，則限制每人攜帶兩顆。 每一顆PAG鋰電池，都貼有該電池設計的測試報告編號，亦可從PAG獲得測試報告的副本。 每一顆PAG鋰電池都附有說明書，其中包含了航空運輸憑證（Air Transport Certificate）及符合航空安全規範的聲明。PAG建議你出差時務必攜帶這些文件。這些文件亦可至PAG的網站下載： https://www.paguk.com/sites/default/files/pdf/AirTransLiIon.pdf。 透過商業航班 / 個人行李 運輸 下列的建議，將有助於你攜帶鋰電池旅行： 2016年4月1日起鋰電池禁止客機的托運。 鋰電池必須安裝於攝影機或其所供電的設備，否則鋰電池無法手持運輸。而安裝的電池其容量不得超過100Wh。 備用鋰電池必須以隨身登機行李進行運輸。 容量等於、或低於100 Wh的單顆鋰電池，可以隨身登機行李的方式攜帶登機，沒有數量上的限制（如果航運公司及當局允許）。 容量大於100Wh、但低於160Wh的鋰電池，每位乘客隨身登機行李限量兩顆。例如：劇組有三人可同分擔配額，在此允許的電量內共可攜帶六顆電池（每人兩顆）。 容量超過160Wh的電池，除非獲得特殊許可（亦即CAA/FAA），否則禁止搭載客機。 你僅能攜帶經獨立授權機構以聯合國標準測試通過，且由具有如：ISO 9001:2008等品質控制的廠商所製造的鋰電池搭飛機。 請注意：以隨身行李攜帶時，電池電量無需低於30%，只有在以貨運方式運輸時才需要。以隨身行李方式攜帶時，對於剩餘電量並沒有特殊規定。 PAG建議客戶在出發前與所選擇搭乘的航空公司確認，以確定任何地方性的規範及政策。 PAG鋰電池對於短路及超出流量擁有完全的保護。然而，我們仍建議要確認電池明顯的安全，在機場櫃台報到時才不會被拒絕： 在接點處黏上膠帶。 將每一顆電池都放置在塑膠帶中。 以安全無虞的方式，將電池放置在隨身行李中。 我們建議你攜帶一份每一顆PAG鋰電池都附的PAG航空運輸證書（Air Transport Certificate），或從上述的PAG網站下載。 透過 航空貨運、陸地貨運、及海運 當透過空運、陸運或海運運送鋰電池時，被歸類為危險物品，需從外部專家取得特殊包裝的認證及許可。 2016年4月1日起，客機禁止托運行李運輸鋰電池。 容量等於或低於100Wh的鋰電池，以托運行李方式包裝運輸兩顆以上鋰電池時，需空運管理機構的教育訓練及授權。 透過如：DHL、Fedex、TNT、及UPS等運輸公司空運鋰電池時，在接受委託運送之前，需該公司的監督及授權。 空運鋰電池時，其充電量必須低於30%方可運輸。 電量等於、或低於100Wh鋰電池，其運輸重量超過10公斤的時，需UN測試過的包裝。 所有電量100Wh以上的鋰電池運輸時，需UN測試過的包裝。 陸運鋰電池時，每台貨車不得超過333公斤的鋰電池。 關於運輸鋰電池的詳細規定，請造訪IATA網站： http://www.iata.org/whatwedo/cargo/dgr/Pages/lithium-batteries.aspx 購買電池及充電器等，請至：https://www.getop.tv/battery

作者：V Renee 日期：2016年9月22 是的！一鏡到底很酷，但要怎麼打燈呢？ 自電影“鳥人（Birdman ）”之後，似乎每個人都在談論一鏡到底（Long Take）— 你知道的，就是那種持續好幾分鐘、沒有任何剪接的片段。一鏡到底有助於將劇情立即帶入場景，且讓觀眾將自己沈醉於劇情中，但它們在拍攝上頗具挑戰，尤其是在打燈的部分。 攝影指導（DP）Emma Kragen在下面來自Aputure的影片中，對於一鏡到底的打燈，列出了6個有用的技巧： 在一般標準長度的鏡頭，你根據演員在畫面中的位置設置燈光，這還蠻樣板的。然而，在拍攝一鏡到底、長鏡頭時，對於燈光的位置，你必須得很有創意，因為如果演員走動範圍很大，意味著他們可能會遠離光源。管關於如何克服這些問題，Kragen所說的技巧就非常有幫助。 注意你的畫面邊界 你永遠都要注意你的畫面邊界在哪，如果你的攝影機及主體物移動範圍很大，這就特別重要。因此，要記下整個一鏡到底長鏡頭的畫面邊界 — 計畫、編排、並不斷的演練，直到記下所有的事，然後再擺設燈光。 移動主燈光 請記住，燈光是可以移動的，你可四處移動你的主燈（Key Light）— 也就是說，它不會燙傷你的臉、或太重 — 做，就對了！有時你需要做的就只是左右搖動（Panning）或上下轉動（Tilting）燈光而已，但有時你也許需要帶著輕便型LED燈（或類似的燈光）走動。 將燈光藏於畫面中 除了一鏡到底之外，此技巧在拍攝時經常使用。將燈光隱藏在畫面中物件的後面或裡面，讓你得以真的善用這些道具 — 當道具在拍攝片段中逐漸縮小消失時，幫助特別大。將燈光放置在地上，是隱藏它的一個好方法，地板並非總是需要出現在畫面中，如果地板需要入鏡，那就將燈光藏在盆栽後面、藏在書架、及畫面中其他物件中，都可獲得相當不錯的相同效果。 利用反光板 如果你想善用實用道具燈（Practical Light），也就是一些手持，例如：手電筒的燈，這是一個很好的小技巧。讓你的一個劇組人員拿著反光板跟著主體物移動 — 或如Kragen的建議、讓他們穿白色的T恤。這將會增加一些照明，而無需傷腦筋在畫面外插上電源架設燈光。 利用平的表面或角落 利用此技巧之前，你必須先瞭解拍攝現場的配置。因此，如果場景中有平的表面（例如：牆壁或隔板）及角落等，你可利用它們的盲點（Blind Spot）隱藏燈光。Kragen提到，如果你沒有平的表面，你也可利用像是窗簾、假牆、或其他夠大、夠高的任何物件，提供你隱藏及架設燈光所需要的空間及位置。 將燈光藏於陰影中 就像我中學時開始聽九吋釘樂團（Nine Inch Nails）之後，瞭解了燈光在黑暗中快樂的存在一樣。Kragen說，陰影是隱藏燈光的好地方。專業的技巧：如果你的燈架會反光，那就用毛織品把它包起來。 對於如何在一鏡到底中隱藏燈光，你有任何酷的技巧嗎？請在下面留言，讓我們知道。 原文出處：https://goo.gl/kZ06RG

作者：Martin Ubilluz 日期：2017年3月6日 五組 Anamorphic 變形鏡– Cineovision、Angenieux Optimo、Kowa Prominar、Cooke、Vantage Hawk C-Series、Vantage Hawk V-Lite – 如何堆在一起？ [編輯註：No Film School要求Martin及Oscar Ubilluz比較五組Anamorphic變形鏡，並記錄他們的感想。] 我和我的兄弟Oscar Ubilluz在邁阿密擁有MU2 Productions，我們是導演/攝影指導組。我們最常被問到的問題是："你所擁有的各種Anamorphic變形鏡之間有什麼不同？它們在不同的攝影機上看起來如何？" 我們決定做個比較，這樣我們的客戶可以自己看看。 我們設計下面這些“非科學的”鏡頭比較，並非是一種“槍戰”，而是試著看看不同鏡頭組之間的差異。因此沒有說哪一個是“最好”的Anamorphic變形鏡，每一組都有其特色。確切的說，決定用Anamorphic is變形鏡拍攝，並非像選擇一組一般的鏡頭那樣簡單，因為它們拍出來全都有不同的樣貌 – 且有時是徹底的不同。 在高解析、銳利、乾淨的攝影機世界裡，Anamorphics 變形鏡為影像帶來一點紋理和感覺 市面上拍攝Anamorphic變形最普遍的攝影機：感光元件為4:3的ARRI Alexa及RED Weapon，因此我們決定用它們來進行比較。這兩台攝影機因為感光元件尺寸不同，它們用Anamorphic變形鏡拍出來的樣貌因此也就不同：RED會有明顯的裁切（Cropping）；而感光元件為4:3的Alexa則沒有裁切，因此你可獲得影像完全涵蓋區域的好處。（Anamorphic變形在“擠壓Squeeze”之前為4:3的影像，因此在感光元件需要較多的高度、不需要較寬的寬度。） 什麼是“Anamorphic 變形”的樣貌？ 典型Anamorphic變形的樣貌，具下列的特徵： 在還原擠壓（De-Squeeze）之後，產生比例為2.40的影像 邊緣產生焦點衰減（Focus Fall Off）/失焦（Defocuse） 有時對比較低 拉伸成橢圓形的光點散景（Oval Bokeh） 因使用較長的焦長（Focal Length）以便與對應的正常標準圓形鏡取景相符，導致較淺的景深 水平的拉伸光斑（Flare） 更多亮部的衰減（Highlight Roll Off） 鏡頭呼吸（Lens Breathing） 向外彎曲的變形（Outward Bowing Distortion） 當將光圈縮小時，可讓這些Anamorphic變形的許多特性最小化。事實上，一些新興的Anamorphic變形鏡，慢慢的消除了這些魔法般的獨特性質，我們認為這有損使用 Anamorphic變形鏡的目的。 Anamorphic變形鏡的製造目的，原本是為了從膠捲負片獲得最大的解析度。在目前的數位世紀裡，使用它的目的純粹是為了它們所拍出來的樣貌（在數位的格式，Anamorphic變形鏡跟獲得解析度無關）。因為這樣的理由，我們要求鏡頭製造商，維持典型Anamorphic變形鏡的樣貌很重要，這樣我們就可以享受在現代的技術上使用這些鏡頭，且保有真正老式電影的樣貌。在高解析、銳利、乾淨的攝影機世界裡，Anamorphics變形鏡為影像帶來一點紋理（Texture）和感覺。 關於比較，我們選擇了Cineovision、Angenieux Optimo、Kowa Prominar、Cooke、Vantage Hawk C-Series、及Vantage Hawk V-Lite等鏡頭進行比較。我們也很喜歡Panavision Vintage Anamorphic變形鏡，但可惜我們沒辦法將它們加入這次的比較中，因為此公司只租不賣的生意模式，意味著在邁阿密我們很少見到它們的鏡頭。 比較 為了簡單化，每一組我們僅專注在四種焦長。 Shot 1：靜態拍攝、沒有移動（看看光點散景、焦點、頂部及底部的失焦、向外彎曲變形） Shot 2：側邊到側邊的橫搖（看看邊緣的銳利度、光的衰減、與因為移動而產生的變形） Shot 3：焦點轉移（Rack Focus） Shot 4：光斑 本文不是要進行攝影機的評價，我們用兩台攝影機顯示在裁切（Cropping）上的不同，這樣你可在製作時能更好的計畫你的拍攝。除此之外，不同的解析度及感光元件技術，通常會產生不同的光斑，且因為我們有兩台攝影機，而Anamorphic變形鏡以光斑著稱，因此值得兩台都秀，讓這次的比較，更能看得出這些鏡頭的特性。 我們沒有進行校色，且在一塊白板上進行簡單的白平衡，在這別太專注在色彩上 — 這些鏡頭都可進行事前及事後的調光。當然，有些鏡頭的對比較低些，這將影響色彩。 除此之外， Alexa在800 ISO的亮度，跟RED在1600 ISO差不多相同。因此與其改變燈光的設置，不如將RED的ISO改成與Alexa匹配。我們不想改變快門速度，因為這會影響有運鏡的測試。 請注意，因為鏡頭的年紀及保養都不同，並非所有的鏡頭都一致，因此很重要的是，瞭解它們從什麼時候開始使用，並在租之前先測試一下。在這次的比較中，我們的鏡頭都經過頂尖技師檢修過 — 沒有刮傷、沒有發黴、沒有清潔留下的痕跡，每一組鏡頭都很乾淨。如果你租用或購買一組好的鏡頭，應該可以得到與我們相同的結果。 Alexa 的規格 攝影機：Alexa Mini 編碼：ProRes 4444 色彩輸出：Log C 解析度：2944 x 2160（2880 x 2160） ISO：800（Optimo @ 1600 ISO） 快門角度：180 影格速率（FPS）：23.976 光圈（T-Stop）：2.8 色彩描述檔（LUT）：ARRI Standard LogC to Rec.709 影像裁切成2.35 RED Weapon 的規格 攝影機：RED Weapon Carbon Fiber 編碼：.R3D Recode: 7:1 擷取的解析度：3792 x 3160 ISO：1600 (Optimo @ 3200 ISO) 快門角度：180 影格速率（FPS）：23.976 光圈（T-Stop）：2.8 色域：REDWideGamutRGB Gamma：Log3g10 色彩描述檔（LUT）：Rec.709 Cineovision / JDC 24mm T1.4 35mm T1.4 40mm T1.6 50mm T1.4 85mm T1.6 從60年代、80年代開始，Cineovision、JDC、及XTAL鏡頭都是由同一家日本公司製造，以不同的外殼打品牌。根據鏡頭圓形的部分，全都有相同的光學配處（Optical Prescription），前面的部分採用日本玻璃，後端鏡頭圓形的部分則採用Canon K35、Zeiss Standard、Zeiss Super Speeds、Cooke Panchros、Canon FD、或Olympus。 我們所使用的鏡頭組，是採用Zeiss Super Speeds，例外的是24mm的鏡頭，採用Canon FD、而40mm則是Olympus。儘管如此，它們全都匹配、且拍出來的樣貌整體也一樣。Anamorphic變形的元件在前面的部分 — 它們是2x擠壓，在對焦時鏡頭筒向前延伸。這些鏡頭的重量各自不同，僅有24mm及35mm需要支撐，而40mm及50mm則很小且精簡。 你會看到什麼 樣貌獨特、拉伸超長橢圓形光點散景，對比低，很容易就可產生強烈的水平藍色光斑，在邊緣焦點衰減/失焦（35mm在左右兩側稍微多一點）。在較廣的鏡頭會有向外彎曲的變形，在轉移焦點時發生大量的呼吸效應。當拍大光圈時，影像通常柔焦（Soft-Focused），但小於T2.0，就還可以；小於T2.8，影像非常銳利。所有的鏡頭都有正確的2x擠壓。 我們的感想 這是一組很好的鏡頭，給予讓人印象深刻的Anamorphic變形樣貌，具所有經典的特性。拍出來的影像很銳利、而在該柔的地方就柔，呈現的臉色非常漂亮，要產生光斑很容易。要小心的是：在對焦時，鏡頭筒的移動讓光點散景很極端，但遮光斗上用一片遮片就可解決。 Angenieux Optimo Anamorphic Zoom 30-72mm As2 T4（使用的焦長為：35mm、50mm、72mm） Angenieux Optimo Anamorphic變形鏡是新產品，它在鏡頭的後端有Anamorphic變形元件，它是T4、法國製造，是一顆非常輕的Anamorphic變形變焦鏡，這是很少見的。它也具備2x擠壓、驚人的機械結構、及行程比較長的對焦環。 你會看到什麼? 當使用大光圈時，整個Zoom的範圍影像都很銳利，對比高，光斑很少甚至沒有，在所有焦長都向內彎曲變形，完全沒有Anamorphic的橢圓形光點散景。此鏡頭似乎在邊緣的地 方喪失一點光，而在對焦時不會有呼吸效應。 我們的感想 我們認為此鏡頭完全沒有Anamorphic變形鏡的特性，依我們所見，讓此鏡頭成為Anamorphic變形鏡的唯一理由是其2x擠壓，更不用說此鏡頭讓我們覺得心灰意冷。 Kowa Prominar Anamorphic 35 BS 32mm T2.3（搭配.8廣角轉接環） 40mm T2.3, 50mm T2.3, 75mm T2.8, 100mm T2.8 Kowa Anamorphic變形鏡大約於60及70年代在日本製造，它們是用Kowa圓形普通鏡製造。它們是市面上最輕的Anamorphic變形鏡之一，重量在2到3磅（約0.9到1.35公斤）之間，鏡頭的對焦環行程比較短，Anamorphic變焦元件位於鏡頭的前端，且具有2x擠壓。 你會看到什麼? 在白平衡之前是有很好的暖色溫光斑的暖鏡頭（Warm Lens），大光圈時影像銳利，拉伸的橢圓形光點散景，對比低，邊緣有焦點衰減/失焦，而在焦點轉移時有為數不少的呼吸效應。 32mm及40mm鏡頭在你水平搖鏡時，在左右兩邊顯示出不小的變形，影像看起來像是被揉皺一般，2x擠壓並非在所有焦長都完美，臉部看起來平滑，32mm及40mm鏡頭有向外彎曲變形。 我們的感想 散景非常漂亮，皮膚看起來平滑好看，此鏡頭給予很好、溫暖的感覺，小又精簡可用於手持穩定器，且不會讓你的Steadicam操作員累死。我們真的覺得40mm邊緣的擠壓很奇怪，因此當有大量的水平搖鏡時，我們傾向於避免使用該鏡頭。但你可看看在RED攝影機的測試，因為裁切的關係，你不會看到像在Alexa 4:3上這樣的效果。 32mm T2.3 40mm T2.3 50mm T2.3 75mm T2.3 100mm T2.3 Cooke Anamorphics變形鏡非常現代、且為英國製造，Anamorphic元件在前端。其機械結構很驚人，跟Cooke的其他鏡頭一樣，對焦環的行程長。這些鏡頭包含“i”了技術，給予攝影機鏡頭的距離、光圈、及景深的讀數。大約6到7磅（2.7到3.15公斤），鏡頭有點重，但並不需要支撐。 你會看到什麼 大光圈時影像銳利，且有很好的對比，和與其對應的標準鏡差不多。邊緣有焦點衰減/失焦，在焦點轉移時有為數不少的呼吸效應，沒有Anamorphic的水平光斑。光點散景並非都是橢圓形，且每個焦長並不一致：有時甚至於看起來是方形、而不是橢圓形。根據焦長及距離而定，這並不是典型的Anamorphic光點散景。廣角鏡一直到50mm，都有奇怪的向內彎曲變形。 我們的感想 當你需要很多的對比及非常銳利的影像時，這組鏡頭很棒。它們比較溫和，因此當你的廣告客戶對於完全的Anamorphic變形效果害怕時，它們就很好。邊緣向內彎曲變形看起來奇怪且不悅目，鏡頭失去了一些典型Anamorphic的樣貌。對於不一致的光點散景我們並不介意，因為所有的Anamorphics變形鏡都各有其特性，我們喜歡它在影像邊緣焦點衰減的方式。 Vantage Hawk C-Series 35mm T2.2 50mm T2.2 75mm T2.3 100mm T3 這是德國Vantage在80及90年代研發的第一套Anamorphic變形鏡，它們是根據Lomo Anamorphic而設計的，35mm是為印度市場特別製作。 鏡頭很重且全都需要支撐，除了50mm（鏡頭有內建的支撐，但我們發現50mm並不需要）。在對焦時鏡筒會旋轉並伸出，所以不可能在遮光斗上用遮片，而鏡頭的齒輪也跟著內外移動，因此需齒輪有額外寬度的無線或手動追焦器，否則將無法完全的進行對焦。機械結構及鏡頭組裝得非常好，具有2x擠壓。 請注意：市面上有許多假冒的Hawk鏡頭，事實上它們只是拿Lomo重新組裝。 你應該要跟Vantage驗證序號，以確認它們是真的。 你會看到什麼? 比較舊的Anamorphic變形鏡有更多一點的對比，這組較廣的鏡頭（35mm）比其他進行比較的鏡頭組有多一點的向外彎曲變形，所有的焦長都有許多的焦點衰減，但正確的2x擠壓，光斑很漂亮且典型，雖然100mm沒有很多的水平光斑。縮一點光圈影像就非常銳利，35mm在光圈 T3以上，銳利度在可接受範圍內，在焦點轉移時有明顯的鏡頭呼吸。 我們的感想 Vantage Hawk C-Series是新舊 Anamorphic變形鏡感覺的很好混合體，我們不介意用這組鏡頭進行大光圈的拍攝，它們具高對比，因此如果你喜歡對比且不想在後製處理，就可以用這組鏡頭。所有鏡頭在邊緣都有焦點衰減/失焦（35mm會較多一點）。對焦齒輪及鏡頭的旋轉，如果你沒有設置妥當，也許會引起一些麻煩。如果你不想採用完全現代、仍想要有一些典型Anamorphic變形的樣貌 — 且你可處理技術性的部分 — 這是一組很好的鏡頭。 Vantage Hawk V-Lite 28mm T2.2 35mm T2.2 55mm T2.2 80mm T2.2 110mm T3 Hawk V-Lite是Vantage在德國從無到有的研發，它們是最輕的現代Anamorphic變形鏡之一，重量在4到6磅（1.8到2.7公斤）。鏡身、刻印、PL Mount、及機械結構等皆屬頂級，且非常的平順。 你會看到什麼? 豐富的對比及色彩的真實度，非常酷的影像，焦點衰減/失焦發生在畫面的底部及頂部，大光圈影像銳利，在特定焦長的光點散景呈現豆子的形狀（Bean-Shaped）。它們有些微的垂直Anamorphic光斑，但並不是非常明顯，在轉移焦點時有鏡頭呼吸，而影像有向外彎曲的變形。當用很亮的點光源或窗戶直射55mm時，鏡頭會開始顯現內部的反射，光源會以反射或鬼影顯現（這有點類似於當你用ND減光濾鏡，有光線漏進遮光斗，在影像中開始看到反光及鬼影）。如果你觀看電影“月光下的藍色男孩（Moonlight）”，你會看到此一現象。 我們的感想 可以拍大光圈的鏡頭，有很好的高對比影像，我們喜歡畫面底部及底部的失焦，更具有典型Anamorphic變形鏡的調性，但光斑比較少。這組鏡頭適合於如果客戶不想要完全的Anamorphic變形、但又想保有其一些典型的特性時使用。 我們真覺得奇怪，這樣一組高階的鏡頭 — 且可能是最貴的（如果你能說服Vantage賣你一組）— 其55mm最發生詭異的鬼影/反射。如果你不喜歡這些效果，那它就不利於拍攝窗戶、光源很亮的情況。 共通性 除了Optimo變焦鏡之外，我們在所有的鏡頭組普遍的看到鏡頭呼吸效應。除此之外，即使都設定成相同的T-Stop，有些鏡頭組拍出來似乎亮一點、有些則暗一點。 我們方法上的錯誤 每一個焦長的取景並非百分之百精確，但你仍能看出攝影機之間在裁切上的不同。因為白平衡、及手電筒與我們使用的燈光不匹配，所以光斑很藍。 我們也要指出Kowa Anamorphic變形鏡的光斑，明顯的比較暖，但在我們的比較中並沒有秀這個。除此之外，Hawk V-Lites的拍攝日期不同，模特兒決定在我們拍攝期間改變頭髮的顏色。 使用RED攝影機所拍攝的，因為在使用廣角鏡的一些人為的疏失，其中有些比較柔，因此請不要太專注在這個部分 — 你可在Alexa所拍的影片評估焦點。 感謝VER及Hernan Herera提供一些鏡頭組、Robot Studios in Hollywood及Florida讓我們使用他們的場地及作為道具的設備。 剪輯：Roberto Garcia 特別貢獻：Stephen Gelb 鏡頭攝影師：Chris Kennedy 攝影助理：Patrick Luis-Pierre 攝影助理：Daniel Skinner 道具：Kevin Munoz 道具：Yadaly Paez 模特兒：Axi Mines 原文出處：https://goo.gl/YwTmoK

日期：2017年1月27日 世界第一個提供動態移軸功能的全片幅電影定焦鏡 施奈德新的XENON FF-Prime電影移軸鏡，是動態移軸效果的最佳解決方案 德國施奈德推出Xenon FF-Prime 電影移軸鏡（Cine-Tilt Lenses）增強現今動態的電影攝影。此突破性的新鏡頭，結合了施奈德廣受歡迎的全片幅定焦鏡相似的造型與能力，再加上最大達±4°移軸的功能。可在對焦及移軸動作時保持視界（FOV - Field Of View），這意味著新的電影移軸鏡可透過移動及移軸對焦平面（Focus Plane）捕捉到以前無法想像的畫面。 新的鏡頭讓補捉畫面中離焦（Out-Of-Focus）區域成為可能，尤其是在大光圈情況下使用移軸時。感光平面（Sensor Plane）4°移軸的角度相當於80°的焦平面（Focal Plane），將依所選用的焦長（Focal Length）及光圈的設定而定。 與施奈德的標準Xenon FF-Primes定焦鏡一樣，新版本的鏡頭以重量輕且簡潔、統一的外型，滿足了現今4K以上全片幅影像的特殊需求。色彩匹配（Color-Matched）的鏡頭具備最小化的鏡頭呼吸效應，且保有經典好萊塢散景（Bokeh）風格的能力。德國設計及製造，此新的設計擁有精密的機械技術，以便平順且精準的進行移軸。鏡頭的移軸乃透過一可旋轉120°的高精確轉環控制，就如同進行對焦一樣的直覺。多虧了常見的0.8齒輪模數（Module Gear），此電影移軸可使用標準的追焦（Follow-Focus）系統。 施奈德電影移軸鏡除了提供標準Xenon FF-Primes的功能之外，再加上移軸的能力，因此在拍攝進行時無需更換換鏡頭。當移軸設定成0°時，電影移軸鏡提供了與標準FF-Primes定焦鏡完全相同的影像。一整組有25mm、35mm、50mm、75mm、及100mm等不同焦長 – 全都是T2.1。 堅達資訊代理 德國施奈德 全系列電影鏡頭及濾鏡，歡迎來電詢問：02-7720 9899