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CMOS影像處理器（Image Processor）在與CCD感光元件及數位單眼相機（Digital SLR - DSLR）比較時，受到嚴厲的批評。那麼，我們如何減少CMOS的雜訊（Noise）呢？首先，我們必須瞭解什麼是雜訊及產生雜訊的原因為何。 什麼是雜訊？ 當論及數位影像的雜訊，我們所談論的，就是那些不該出現的小小色彩雜點（Color Specs）。例如：在低光情況所拍的照片，也許會布滿小小的白色雜點、或藍色天空可能出現的粉紅色雜點。為什麼會發生這樣的事呢？畢竟，數位影像及音訊，理當比以往的任何事物都優。引起雜訊的問題，始於影像的感光元件，在類比的光源轉換成數位光電子（Photoelectron）訊號時發生。 熱與雜訊 會產生雜訊問題的第一個因素也許就是熱，你的數位影像由光電子所組成，熱產生熱電子（Thermal Electron），它會以雜訊污染影像。解決此問題的唯一辦法就是，將攝影機關閉，讓它冷卻一陣子。 ISO與雜訊 CMOS或任何數位攝影機，關於雜訊最大的問題也許在於ISO，ISO控制感光元件對光的感光度（Sensitivity），較高的ISO值代表曝光時所需光源較少。但運用ISO補償低光卻因產生雜訊而犧牲了影像品質。為什麼？這是因為高ISO將所接受到的光子放大了。不幸的是，它無法區別各種不同的電子訊號，因此也同時放大了其他導致雜訊產生的一些背景電子訊號。 製造商如何減少雜訊 數位單眼相機不像其他攝影機飽受雜訊問題的困擾，其原因在於它們擁有面積比較大的影像感光元件，面積大的影像感光元件可允許使用較大的像素（Pixel） 接收光源且彼此不會重疊（Overlap）而產生雜訊 。 (編按：這也是為什麼一樣是Super 35 mm片幅感光元件的攝影機，3.2K 的ALEXA會比其他4K、6K或是8K解析度的攝影機的雜訊還低。很多外行都誤以為解析度越高性能越優，其實像素面積大小才是重點) 大的像素比小的像素有更大的面積接收光源 其QE效率較高 雜訊較低 但這並非意味著DSLR不會有雜訊，在高ISO時它們仍會有雜訊的困擾，它們只是比其他攝影機更能抵抗雜訊而已。高ISO的影像品質，因攝影機的不同而各有所異。 有些製造商製造的CMOS晶片，包含了演算法而能減少些雜訊，你也可以購買具有減少雜訊功能的軟體，在拍攝之後修改你的影像。 如何減少雜訊 曝光是根據ISO、快門速度（Shutter Speed）、及光圈（Aperture）而決定。讓ISO盡可能保持在最低的設定值，將可減少大部分的雜訊。如果你需要提高曝光，那麼就先調整光圈，因為使用慢速快門也許也會產生一些雜訊。 原文出處：http://goo.gl/OggW38

作者：Dovas 如果你是攝影初學者，若能有一個簡單的指導原則，就能助你瞭解你的數位單眼（DSLR）相機上，各種不同的設定有什麼差別，那就太好了！雖然Daniel Peters在Fotoblog Hamburg部落格裡PO的、非常有幫助的曝光表，並沒有解釋攝影光學的原理，但它清楚顯示了當你調整攝影機設定時，到底會發生什麼事。 此圖表中的三種設定，有些攝影師喜歡稱之為曝光鐵三角（Exposure Triangle）。 ISO是數位攝影機感光元件（Sensor）對光的敏感度；光圈（Aperture）是鏡頭中的機械結構，其作用類似眼睛的虹膜（Iris），它開啟或關閉讓更多或較少光源進入，且同時也改變景深（Depth of Field）、亦即有多少不同的物體在同一時間可維持在焦距上；最後就是快門速度（Shutter Speed），在拍攝時它決定了攝影機快門維持開啟的時間，開啟的時間越長、將讓更多的光源進入，但如果在拍攝時發生任何的移動（編按：攝影機本身、或主體物），也許就會導致影像發生模糊（Blur）。 原文出處：http://goo.gl/NP4YE3

作者：Austin Paz 日期：2016年2月4日 當開始攝影時，很多初學者在拍攝時對於RAW及JPEG兩種格式感到困惑。雖然已經有很多關於這方面的解釋，但身為攝影師的我們，可比較容易的以視覺的方式去理解。 從十年前Canon 20D開始，我就可選擇以RAW進行攝影，而從那以後，我就再也沒有用JPEG進行攝影，即使如此我也沒有真的去比較過RAW和JPEG，看看如果我讓攝影機自己進行檔案的壓縮，我會損失些什麼資料。 因此，我決定做一個極端的測試：我用Canon 70D拍一張純黑的影像。我不在攝影機上裝鏡頭，就只是蓋上鏡頭蓋，然後拍一張照。我將攝影機設定成RAW+JPEG，這樣我可以直接從攝影機得到兩種格式的影像。攝影機的設定為1/60s、ISO 3200，乍看之下，它們看起來完全相同且都是純黑： 使用Adobe的Camera RAW編輯器，我將兩個檔案的曝光提高5檔（Stop），兩個原本看起來一樣的影像，出現驚人的結果。 下面是兩張影像並列放在一起，且進行了裁切： 現在你可清楚的瞭解，兩者看起來一點都不像 — 你幾乎不可能猜到它們是從一開始的那兩張照片而來的。如果你是用JPEG拍照的人，有些事是你必須考慮的，如果你需要做一些額外的後製處理，你的暗部（陰影）看起來會相對的不一致和變色。相反的，RAW則在整個光譜（Spectrum）有非常一致的雜訊（Noise）。 我必須承認，這兩張影像看起來都不美，但這些只是將影像中的暗部推到極限、非常極端的示範。對於任何珍惜自己的作品的人來說，都值得要瞭解這件事。如果你的攝影機可以做得到，而且你不希望你拍的照片看起來像爛沼澤似的，那就幫自己個忙、用RAW檔拍吧！ 原文出處：http://goo.gl/QRGSQp

作者：NOAM KROLL 日期：2016年2月17日 幾乎所有的拍片者某整程度上都曾涉獵慢動作（Slow Motion）的拍攝，在需高度風格化樣貌的廣告或音樂影片中，經常出現慢動作。近年來興起一股慢動作的風潮，因為對於快拍慢動作播放（Overcrank）素材需求增加，且推出比以往更多具有拍攝慢動作能力的攝影機。 不幸的是，拍攝完美的慢動作素材，需要花比較大的氣力，而不僅只是改變攝影機中的影格速率（Frame Rate）這個簡單而已。因此，如果你考慮在下一個專案中要拍攝慢動作，且關於這方面也還沒有太多的經驗，那就要非常小心，不要犯了任何下面所提及的常見錯誤。 1. 忘記調整快門速度 這也許是拍片者在拍慢動作時最經常落入的陷阱。跟使用其他影格速率拍攝差不多一樣，180度快門角度原則亦適用於此 — 也就是說，你的快門速度需為影格速率的兩倍。許多拍攝者忘了將快門速度從1/50（當拍24p時）調整成更高的設定值（例如：當拍60p時調成1/125），結果拍完影片不能用。當此類拍攝不得宜的慢動作素材，以正常速度播放時，將會有奇怪的慢度快門鬼影（Slow-Shutter Ghosting）的效果，在剪接室你當然會把這些影片都丟進垃圾桶。 2. 燈光不足 因為較高的影格速率需要較快的快門速度，因為快門速度提升，你的曝光很自然的就會受到影響。這意味著在拍攝現場你所擁有的燈光，在拍24p室內夜戲時也許夠用，但這不代表對於拍120fps素材它們也一樣足夠。在進行任何慢動作拍攝時，事前周詳的計畫至關重要，這樣你會注意到對於燈光的需求 — 否則你拍的片有些也許會曝光不足。 3. 燈光閃爍 關於燈光的另一個需考慮的重大因素，就是燈光閃爍（Light Flicker）的問題。有些類型的燈（例如：低品質的LED面板）容易產生閃爍，而這樣的閃爍效果在慢動作時會變得非常明顯，我自己就曾有過一次慘痛的經驗，因此也就很快學會在場景打完燈之後，總是先拍一小段測試影片，確保所使用的燈光及/或電源不會產生任何的閃爍現象。 4. 拍攝時過於高速 許多拍片者非常渴望拍慢動作素材，他們一下子就跳升到使用可用的最高影格速率拍攝。但是，就只是因為你的攝影機可以拍240fps，這並不意味著你就必須以那樣的高影格速率拍攝。這一類非常慢動作的素材，看起來很酷、且在拍片的世界裡佔有一定的地位 — 但它是一種非常極端的樣貌、且也許並不適合大部分的拍攝專案。 雖然你也許會想，在後期製作你總是可以調整速度，因此你的240fps素材並不一定就是那樣誇張的慢速，但這並非絕對沒問題。假設你遵循180度快門角度原則，除非你拍的影片從頭到尾的都是慢動作，否則從技術的角度來看，你的影片看起來不會是正確的 — 因此一定要有目的性的選擇你的影格速率。 5. 剪輯時過度使用慢動作 並非所有關於慢動作的錯誤都是在拍片現場發生 — 在剪接室裡也會發生許多錯誤。如果你的專案並不是每一顆鏡頭都用慢動作（為了特定風格的樣貌），請記住“少就是多（Less is More）”。只因為慢動作看起來很棒，許多拍片者不管它是不是會影響故事本身的節奏和流暢度，而有過度使用慢動的傾向。請小心不要過度使用你的慢動作素材 — 並且永遠要留給觀眾更多的期待，你需以此為目標。 正考慮拍慢動作的影片嗎？可以再看看這篇：在拍攝慢動作影片之前必須考慮的五件事。 原文出處：http://goo.gl/75T2q9

作者：V Renee 日期：2016年3月9日 電影攝影師（Cinematographer）是一個有趣的角色，因為你不僅只是個技術人員，同時也是個用光和影實現電影的藝術說書人 需要做的事肯定很多，從瞭解你的設備（攝影機、鏡頭等）、到能捕捉導演想要的畫面。想要細說這些也許不容易，但攝影指導（DP）Morgan Cooper在這裡分享了一些好的電影攝影師在專業職業生涯中必須維持的頂尖技能。 Cooper不僅針對電影攝影的技術層面、同時也對於創作及專業層面，分享了很多很棒的深刻瞭解。是的！瞭解你的攝影機、能夠克服技術上的問題、跟合作的導演及團隊清楚的溝通、並試著準時且在預算內完成所有的工作。 所有攝影指導必須學習的最大課題，是除了攝影機、鏡頭及手持穩定器之外的背後事。你的存在不是為了炫耀很酷的“子彈瞬間（Bullet-Time）”的技巧，或因為你剛擁有新的手持穩定器，就建議每一顆鏡頭都採用手持拍攝。不是這樣的，你所扮演的角色，是要協助導演想出用什麼方式拍攝電影，才能把故事說好，並與觀眾進行情感上的溝通。 從你選擇用哪一台攝影機拍、到如何運鏡，永遠都要將故事擺在第一位，這是你選擇當個攝影指導的金科玉律。所有的事都是在做感情上的交流，因此這一切都很重要！ 原文出處：http://goo.gl/keJCMj

作者：Patrick Jong Taylor 日期：2016年3月11日 在上週，我們Editor's Lounge的什麼是色彩校正影片（Colour Correction）非常受歡迎，該影片的主題為“用色彩說故事”，你也許會把它視為調光（Colour Grading）。 這是我們對於協助剛踏進電影殿堂的人，所付出的努力的一部份，我們另外還有一段講述色彩基礎的影片，與此影片是相關連的。下面的影片，是AlphaDogs為Editor's Lounge後期製作論壇而製作，它乃關於色彩主題系列中的第二部分。第一部份的影片（點此觀看）提供了有關於色彩校正的簡單描述；而下面的第二部分影片，其主題則著重在後期製作對於色彩的運用，乃是說故事的方法的延伸。 如果你對於色彩校正（Color Correction）與調光（Color Grading）之間的差異感到疑惑，你可以觀看這兩段影片，它們為兩者提供了清楚的描述。 原文出處：http://goo.gl/C8t36q

作者：Patrick Jong Taylor 日期：2016年3月5日 在RedShark News，我們投注於專業電影製作從業人員及技術社群，因此總是導致我們文章，都偏向於假設我們的讀者對於電影/影視術語及流程，有一定程度上的認識。當然，我們也體認到讀者群中，有些是剛進入此專業領域、或仍在學習的最初階段，對於這一類的讀者，有時候我們倒退一些腳步並提供一些基礎，對於他們的成長會有很大的幫助。 在這樣的理念下，我們在下面提供了來自後期製作論壇Editor 's Lounge的影片， 它是聯合了位於加州柏本克（Burbank）的 AlphaDogs製作/後期製作公司製作完成的影片。 此影片在2014年首度在網路上公開，以清楚且易懂的方式，說明了什麼是色彩校正，及透過一系列基本的調整能完成什麼樣的效果。值得注意的是，後期製作的色彩校正，絕非用來取代好的電影攝影師，而是一組用來更有心信的闡述你的影片含意的工具。 原文出處：http://goo.gl/P982tk

作者：Vlady Radev 日期：2016年3月30日 在低光時，就算使用像：Sony A7S II或A7R II等，具極高IOS設定值的攝影機進行拍攝，在照度非常不足的情況下，也難保你就一定可以獲得完美的曝光。除此之外，在此會很自然的產生合邏輯的疑問：當你的攝影機，沒辦法提供優異的低光攝影能力時，你該怎麼辦？DSLRguide的Simone Cade，經由一些有趣的建議，分享了他在這個議題上的深刻瞭解。在你急於下結論、並把你舊的DSLR丟到垃圾桶之前，請務必先花五分鐘的時間，觀看下面頗有深度的簡短影片，這個年輕電影工作者所涵蓋的重點，絕對值回你的票價。 就像我們所知道的，ISO以數位的方式將你的影像調得比較亮一些，但此處理步驟，通常被視為最後一根稻草，因為ISO值越高、影像的顆粒（Grain）越多。然而，用高ISO進行拍攝，同時也意味著你的攝影機對於場景中的任何光源、即使是最小的光源，都會變得異常敏感。與其調高ISO值，你不如將它調低一點、調成任何可接受的水平，然後用一組額外的燈光，補足影像中曝光不足的部分。 如果你認為採用速度較快的鏡頭，是提高對於低光表現不好的攝影機的唯一方法，那還不如購買一組還不錯的燈光組，它們不僅比較便宜，而且能幫你在任何低光場景中，幾乎都能獲得成功的拍攝。例如，買一組不貴的螢光（冷光）燈（Fluorescent Light）也許就可以讓你擁有足夠的光源，能將ISO維持在較低的設定值，讓你的攝影機拍攝起來容易許多。 除此之外，這樣的燈光組對於光源的控制，提供了無限的可能性，獲得各種不同的樣貌及氛圍，尤其是在拍夜間場景時。根據經驗，試著在這些時機避免採取傳統的三點光源（3-Way Lighting）燈光設置方式，取而代之的採用更多的背光，只要能看到場景中發生了什麼事，並讓暗部與亮部保持完美的平衡。將最亮的光源放置在主角的背後，並使用其他較小的燈光為你的場景添增些特徵（Texture）。在背景放置更多的光源，也有助於拍攝出漂亮且燈光打得很好的夜間場景。 即使你沒時間設置燈光、或不被允許進行燈光的架設，你仍然可考慮拍攝的位置，並尋找更好的地點完成你的場景。如果沒有辦法變換拍攝地點，請記住，每一個房間或建築物，都會有優質的地方，在那會有足夠的光源讓你進行拍攝，也許只是需要你去把它找出來。 從Simon影片所獲得的最主要啟發是，身為電影工作者，我們從來就沒有擁有足夠的時間、經費，且鮮少有充足的燈光。因此，與其抱怨我們的攝影機諸多的缺點，也許我們應該試著尋找解決之道，並使用任何可用的資源完成工作，而不是被動的接受問題。你對於此議題的看法如何呢？歡迎在下面分享你的想法。 原文出處：http://goo.gl/yvKab7

作者：V Renee 日期：2016年5月8日 到底什麼樣的電影藝術才值得贏得奧斯卡？ 要解釋電影藝術的水準，顯然有許許多多的要素，但若從觀賞為攝影指導（DP）Roger Deakins（羅傑狄金斯）獲得第13次奧斯卡提名的電影“怒火邊界（Sicario ）”，也許會是個不錯的起點。在下面的影片中，Cinematography Database 的Matt Workman，從導演Denis Villeneuve（丹尼維勒納夫）的犯罪驚悚片，解析了11個場景，告訴我們Deakins用了什麼樣的電影技巧，創建電影中讓人印象深刻且顯著的氛圍與調性。 不僅只是在這一部電影，Deakins對他所有的電影，關於他的哲理及電影手法都非常直言不諱。他曾說，電影藝術最終的目並非在於創建漂亮的影像，而是創造傳達故事的畫面。看完了影片的解析之後，你可瞭解Deakins的選擇並非只是單純的為了美學，而是為了講故事。 以前我們曾經討論過Deakins善加利用的幾個不同技巧，讓“怒火邊界”成為一部視覺效果絕美、故事敘述良好的電影，其中包含了使用藍色作為道德水準的隱喻及指示物。然而，Workman的影片強調了幾個Deakins用來創建“怒火邊界”世界及氣氛的重要工具，例如：使用實際物提高真實性，及主題物的大小與主體物強度如何直接相關等。 然而，Workman提到了一個美學理論中非常有趣的概念：地平線的位置。根據你將地平線擺放在哪一個位置，你可有效的改變某個拍攝片段的整體調性。舉例來說，如果你將地平線放置在眼睛的高度（這很典型），觀賞者對此的詮釋將非常好 — 所有的事物都平穩、均等且一切安然。然而，如果你將它提高至畫面的上半部、高於三分之一的位置，如同Deakins在下面的畫面所做的，就會發生一些有趣的事。 根據Workman所說，此地平線的位置將使得主題物顯得受到壓迫，無疑的這是可能的詮釋及反應，然而，美學的理論說，當地平線放置在低於畫面下三分之一以下的位置時，也可以得到相同的效果，因為天空（世界）似乎重重的掛在主題物之上。 下面是電影“完美狙擊（The American ）”中的一個畫面，想像一下喬治克隆尼（George Clooney）站在這樣的空曠地，天空似乎重重的壓在位於其下方的小小地景上，想當然的他必定是無助的站在那兒。 在“怒火邊界” Deakins用了許多技巧，而Workman完成了一個很棒的工作，解析了Deakins為電影在打光、場景及攝影機所做下的決定。此影片絕對值得你花一個小時的時間好好的觀看。 原文出處：http://goo.gl/ibiwi9

當設定電影的樣貌（Look）時，在一起工作時能盡早討論且經常討論，將可以最少的煩惱及花費完成最棒的影像 - Terence Curren. Terence Curren在累積了幾十年的剪輯、製作、及調光經驗之後，於2002年成立 了AlphaDogs。AlphaDogs一直忙於檢視後期製作的技術趨勢，及他們在傳統後期製作生意模式的努力。下面的文章，Curren談及如何在調光師與攝影指導/電影攝影師之間建立成功的關係的五個要點。 1：拍攝之前先跟後期討論 如果你沒有事先跟後期製作討論你想要如何處理你的影像，那麼你將很難掌控經過編輯之後，你的影像會是什麼樣子。 在過去的膠捲時代，攝影指導（DoP）會在開始製作之前，先跟沖印廠進行一些測試，用什麼膠捲、沖洗的過程、及毛片的沖印等都先決定好。到了錄影帶的時代，基本上拍到什麼幾乎就得到什麼，影片的樣貌在後期製作能改變的並不多。 現在的過程，有點像是回到膠捲時代，你可以拍RAW檔，而後期製作剩下的就是剪輯師如何處理的問題了。而當製作人跟導演，喜歡在剪輯過程中所創建臨時調光，我也許就會被告知必須遵循無論是攝影指導、或我自己都不喜歡的樣貌，而是由其他創作者在其剪輯經驗中所養成之習慣的樣貌。 在Alpha Dogs，我們大力鼓吹跟我們開製前會議，以幫助建立最好的工作流程，並對於如何決定色彩（讓你、我跟導演都滿意）有正式的機制，甚至節省製作成本（讓製作人開心）。 2：Metadata很重要 擁有越多的資訊越好。這裡我再用膠捲作為範例，我們通常將聲音和影像分開錄製在不同步的裝置上。而膠捲負片（Film Negative Roll）並非用來進行剪輯、而是使用工作片（Workprint）進行剪輯。這需要大量的整理以便進行追蹤、組合、同步，最後將所有的影片及聲音素材集結完成套片（Conform）的工作。攝影大助、編劇、沖片廠、剪輯助理、及音效師等，對於追蹤所有事及維持一致性都有紮實且整合的作法。後來到了用影帶拍攝，所有的元件都整合在一塊具有名稱及時碼的影帶 – 攝影部門唯一需要擔心的，就只剩下在影帶盒上寫下正確名稱。 現在，我們又回到了音訊通常是分開錄製的舊時代，素材從媒體記憶卡複製出來，這樣記憶卡就可重複使用，而這就產生了命名及追蹤、從原始媒體產生低解析度檔（Proxy）等問題。為了讓這些事都做得正確，需要一套協同作業的系統。如果你希望一切都正確無誤，在開拍之前請先跟我們討論。 那麼，什麼樣的Metadata重要呢？對大多數的剪輯過程而言，就是：時間與日期、場景（Scene）、第幾個Take、記憶卡的標籤（如果記憶卡將保存、不重複使用，那麼就是磁碟名稱）、Sound Roll、及紀錄任何所使用的LUT，如果能記下因為導演沒有真的喊“卡”，所以其實Take 3是Take 5，這也很有幫助。 3：拍攝中不要改變設定 沒有什麼會比因為使用攝影機中的自動曝光（Auto-Exposure）、自動對焦（Auto-Focus）、或自動白平衡（Auto-Balance），而導致必須與色階（Level）的改變奮戰更糟的事了。我們可以在後期製作修復許多事，但要修復一個拍攝片段的變化真的很痛苦。如果你在一個Take中改變所使用的光圈、黑或白平衡、焦點等，這對我們來說，真的是個大問題。如果只是一點點的偏差，通常我們可以修復它，但如果在一個拍攝片段中不停的改變設定，我們必須試著想盡辦法補救這些改變。最痛苦的一個範例，莫過於在靜態坐著受訪的拍攝中，就算鏡頭不動，但一直改變曝光或色彩平衡。 4：不要裁切曝光（Clip Exposure） 如果暗部被擠壓掉、或亮部被裁切（Clipp），那麼我將無法讓你的影像變得更好。許多現代的專業攝影機能補捉的動態範圍（Dynamic Range），比我們用現代監視器重新產生的動態範圍更寬廣，儘管先進的HDR讓這一點已經開始產生改變，但就目前而言，我們必須具備在後期製作時，決定曝光在拍攝片段中的哪些位置的能力，除非…細節不存在，否則我寧願拿到沒有被裁切、比較平的影像，讓我在後期製作中能決定曝光曲線（Exposure Curve）的形狀，讓影像在欲播出的格式擁有最佳的畫面。 5：如果可以，以你想看到的影像樣貌進行拍攝 想要鎖定你影像樣貌的最好機會，就是在進行拍攝的當下。有很多攝影指導（DoP）跟我說，他們因為知道專案將製作數位中間片（Digital Intermediate – DI），所以把燈光打得很平，如果你有像史蒂芬史匹柏的預算，那就問題不大，但如果你沒有那樣充裕的預算，那就在拍攝時盡可能的拍成接近你所希望的影像樣貌。 在現代的調光軟體，我們擁有很棒的工具可自由運用，然而，我們使用越多這些工具，表示我們花的時間越多。因為預算永遠都有限，因此某些事就必須放棄。 身為調光師，我真的希望讓你 – 攝影指導 – 開心，但付錢的人才是真正的老闆，如果留太多關於色彩的工作給後期製作，也許並非全都能搞定，這就是生意的最真實面。 另一個在片場就要得到你的影像樣貌的理由是，就如同我前面所提到的，製片及導演習慣於在漫長的剪輯過程中，就會看到他們的電影的樣貌，舉個痛苦的案例，因為製作人說在看測試片時受到朋友們的讚賞，導致數位技術人員（DIT）在片場所做的設定產生了不正確的毛片提供給剪接師，而我則被強迫去符合那可怕的影片樣貌。 額外紅利：在每次重新設定燈光時，請務必要拍圖卡 這對於獲得你所想要的會有一個很好的起點，避免了許多從攝影機到後期製作完成之間的變數。我應該在前面的文章的某一節裡包含這一點，但最終還是覺得它值得單獨成為一點。 總而言之，我們全都朝著相同的目標前進：讓所完成的專案樣貌達到最完美。讓溝通的管道始終保持暢通，則將有助於我們達成一目標。 感謝www.alphadogs.TV 的Terrence。AlphaDogs乃是一家位於美國加州柏本克（Burbank）的後期製作及設計公司，為電視、電影及新媒體等，提供完整的創作完成服務。 原文出處：http://goo.gl/NukGgt

作者： Simon Wyndham 日期：2016年6月24日 Simon Wyndham 認為，在調光時、尤其是極度的調光，應該要考慮調光的效果，是否會增強或減損影片整體的觀賞經驗。 絕大部分在電視或電影院（現在甚至是網路線上）的影片，都可能經過調光（Grading）、或校正Gamma及色彩的處理過程，即使是低預算的作品也都屬於常態。但調光可以做得太過頭嗎？ 我們所有的工具都應該是用來加強我們在螢幕中所述說的故事。回到以前我們所知道的，如：“歡樂谷（Pleasantville）”、“霹靂高手（O Brother, Where Art Thou?）”等，這些完全數位調光的電影，它們的樣貌都蠻極度，且都算符合所想要達到的目的。 調光的目的 電影的樣貌應該就只是 – 為故事服務（Serve the Story）。但它能否分散觀眾的注意力 及/或 矯飾嗎？我最近看了BBC電視台英國版 “神探維蘭德（Wallander）” 電視劇的最後一集，讓我感到最震驚的是，影集的樣貌與調光讓我無法專心於故事。我沒有辦法、但就是一直注意到它看起來是多麼的冷、灰、及消沈。顯然的，這就是它調光的目的，但這是否太過頭了呢？ 跟我一起觀看的人，我注意到她以前從沒認真的想看這部影集，因為她不喜歡預告片畫面看起來的樣子！我跟其他人談論過，他們也都表達了類似的觀點。 如果觀賞者在還沒看內容的情況下，調光就已經讓他們感到退卻，那麼事情就大條了！調光與電影內容應該是無縫的結合成一體，電影製作的某一個實際元件，不應該單獨進入到觀賞者心中，否則就犯了電影製作的天條。 成形的手法 在沒有數位調光之前，就已經在使用各種樣貌，其中最富創造力、且曾經一度流行的樣貌，就是漂白風格（Bleach Bypass）的處理，其中以史蒂芬史匹柏的“搶救雷恩大兵”最經典。 此處理通常牽涉到中間負片（Internegative）略過或部分略過沖片的漂白（Bleach）階段，而其結果造感光乳膠（Emulsion）中的銀獲得保留，降低了曝光度、增加了對比和顆粒，而得到不飽和（Desaturated）的樣貌。 “搶救雷恩大兵”有效的運用了這樣的處理，它完全適合於此電影及其顆粒感的戰爭場面。約翰法蘭克海默的電影“冷血悍將（Ronin）”也有相同的處理且更巧妙的運用。 這兩部電影，對於為什麼要選擇某一種樣貌、及如何好好運用它，提供了很好的說明。相同的化學處理，一個比另一個更極度。史匹柏想要重建舊新聞影片的樣貌，在拍攝時使用無鍍膜鏡頭的效果也差不多如此。電影的樣貌很突出，但並不會分散觀眾的注意力，因為它所呈現的樣子，適合於我們所觀看的內容。 另一方面，“冷血悍將”更巧妙的使用此效果，法蘭克海默想要顆粒感的樣貌，也許帶有一點以前恐怖間諜片的淺色，但此樣貌從不會造成注意力分散，因為仍保留了真實的顏色。 當進行新舊電影的比較時，帶出了一個關於處理步驟的有趣想法，在DI（數位中間片 - Digital Intermediate）來臨之前，電影的樣貌必須在拍攝時，透過濾鏡的使用、或沖片過程中進行化學上的創作，而成形（Baked-In）。這兩種方式，如果中間發生差錯、或行不通，就可能要付出很高的代價。因此，樣貌的創建是根據事前的許多想法而生。 要極度嗎？ 因為數位處理已經掌控了世界，我們所看到的各種樣貌，經常是非常極度，而且並非全都好好的幫襯電影。我們必須要記住，當我們創作一些東西，我們是在服務我們的觀眾、而不是在服務自己。我們是希望他們沈醉在我們的世界裡，還是要讓他們注意到創作電影時所使用之技術上的處理過程呢？ 想當然的，我是反對過度調光，必須考慮它如何幫襯某個目的，而不是你希望它看起來冷或暖，而調到極限。你的色盤應該在場景及服裝設計的階段就開始，而不是在調光時才決定。如此一來，你可確保一致、且製作出經通盤考慮之後而決定之適合電影的樣貌。 原文出處：http://goo.gl/X6m3SL

菜鳥攝影指導（DP）常常免費為人工作，如果你已準備好要開始自己的拍攝生涯，你會想知道為什麼。 大部分的人從沒想過要免費為人工作，但電影攝影師卻長期忍受著這樣的事。有些人認為這在電影產業是非常不好的惡習，但有些人卻也視它為入行的必經艱辛歷程。不論你支持哪一個觀點，但有很多理由可以說明，為什麼菜鳥攝影指導總是被期待無薪工作。 建立Cinematography Database網站的Matthew Workman，最近在他的影片中，談論這件事的10個原因： 在更進一步探討之前，建議你先觀看另一支Workman關於在製作不同的層級中，電影攝影師可賺多少錢的影片（http://goo.gl/bo2DAr）。總之，下面是Workman對於菜鳥攝影指導拿不到薪水這件事，所提及的10的原因： 現在，進入這一行的門檻非常低，也就是說，有一台攝影機、有一套剪輯軟體，並不是什麼太了不起的事 — 任何人都可以擁有這些東西。你必須提供客戶更多的動機。 Workman毫不掩飾的說 — 在職業生涯的初期，你的作品很爛。 當你還在磨練手藝時，你怎麼能期待客戶會付錢給你？ Workman在之前的影片，曾經談論過製作的四個層級（http://goo.gl/bo2DAr），其中提到根據攝影指導的經驗及其他因素付錢。如果你屬於“單飛（Solo）” 層級，有很大的可能你不會賺到半毛錢。 如果你沒有作品集影片或履歷，客戶可能不會冒險雇用你（除非你是免費）。 如果你試著往上爬一個層級，例如說：從 “獨立製片（Indie）”提升為“產業（Industry）”，如果你是免費的話，也許可以說服客戶冒個險、雇用低一個層級的你，而不雇用已經真正從事內容製作、夠資格的攝影指導。 菜鳥攝影指導必須證明給客戶看：他們是值得信任的。方法之一就是透過免費拍攝比較小的專案（提案 - Spec Project），讓你的客戶比較清楚的知道，是否要在較大、更貴的專案（為了賺錢）雇用你。 做一個攝影指導，不僅僅就只是攝影機及你所拍的漂亮畫面，它是關於一些“無形的資產”— 你如何與其他人配合工作、對於組員你如何鼓舞士氣等。有時這也就代表免費工作，以便向客戶展現在你的作品集影片裡，沒有辦法看到的其他事。 從事提案是攝影指導在這個產業裡要引起注意的主要途徑，但這並沒有錢可拿。 Workman敘述了他成為攝影指導的心路歷程，知道嗎 — 他做了很多免費的工作。 那麼，現在你明白了！當然，相信會有很多人對於Workman的看法有意見；但肯定也有很多人同意他的看法。我知道我免費為人工作很多次、且很感激有這樣的機會；但也有很多次免費為人工作之後，想著“這些傢伙下次就算付再多錢，我也不幫他們幹！” 原文出處：http://goo.gl/jafZgu

儘管網路上關於如何成為更好的編劇（Screenwriter）的密技與竅門已經多如牛毛（我們甚至還有自己的權威 - Christopher Boone），但編劇大神們鮮少恩賜我等平民百姓。無論是以所賺的錢、或以所寫的頁數來衡量，要獲得成功並不容易，它完全取決於你願意為此工作付出多少心力及有多大的堅持。那麼，編劇到底要實踐哪些事，才能在往後的寫作及創作習慣中更快的受益呢？電影製作人Darius Britt分享了8個關於劇本創作的密技，它們可幫助你建立紮實的基礎，並增強你的技巧。 下面Britt的影片中所提到許多事，從長遠的角度來看，都將對你有所幫助，因此，如果你尋求的是速成法，那這些可能就不適用 – 事實上，我不認為有什麼可以讓你速成的方法。真是可憐編劇的杯具人生，不是嗎？總之，讓我們來看看這段影片吧！ 如果以前曾經尋找過這個主題，你可能已經閱讀過其中的一些密技，例如：閱讀劇本、觀看電影等。然而，Britt對於為什麼這些非常重要的深刻理解，完全切中要點。例如：他其中一個密技是“每天都要寫” – 經常聽到的一句話。老實說，在編劇之間對這一點有很大的爭論。有些認為，在不喜歡的時候寫作，只是浪費時間，因為你沒有靈感（你變成了一台機器、而不是藝術家）；有些則認為，持續不斷的寫作，可建立成功所需要的專業規律。而Britt說到了一個很棒的要點：每天都寫的編劇，也許比只是偶而寫的編劇更能成為好的編劇。為什麼呢？眼前的事實是，每天都寫的編劇寫的比較多，因此練習得比較多。因此，你寫的越多、你會變得更好。 對於任何認真的想成為編劇的人，Britt建議要建立每日例行公事（有些是也許是每週做）； 記下你周遭所發生的事用於寫作；聽取別的編劇關於他們的歷程；觀看好的/不好的電影，瞭解什麼可行及為什麼、哪些不可行及為什麼；觀看 “唐人街（Chinatown）”、及像是“降世神通：最後的氣宗（ The Last Airbender）” 等電影，你可以獲得關於結構、角色發展、及對白的知識；閱讀並研習劇本，我書架上只有劇本，它們不是用來加深各位對我的印象（總之，它們不是、也不會），就算你每週只讀一本、也只是稍微的加以研習，一年之後，你就會有52本劇本的故事架構、角色變化、人物的原型、及對白，在你腦海裡縈繞。 要做的事很多，而你不會立竿見影的馬上見到結果，但得繼續不斷的努力，很快的你就會發現變得不一樣了，這就像上健身房一樣，只是不需要流那麼多汗水。 你每天（或每週）都做些什麼事，讓你成為更好的編劇呢？ 原文出處：http://goo.gl/vOFi3k

日期：2016年7月20日 作者：MICHAEL ZHANG 想瞭解用於知名電影中著名場景的構圖意匠嗎？Composition Cam的Raymond Thi透過靜態畫面、再加上桃紅色的線條，告訴你諸如：對稱（Symmetry）、三分之一（Thirds）、四分之一（Quadrants）、三角形（Triangles）、對角線（Diagonals）等畫面構圖。 也許你還記得上圖的影像，它是導演史丹利 庫伯力克（Stanley Kubrik）的電影“鬼店（The Shining）”中一個鏡頭。下面是由Thi所製作的其他更多的影像： 你可關注Thi的Twitter專案帳號@comp_cam，其中有更多的構圖。此外，Thi也創建了名為Composition Cam的手機APP，讓你在用手機拍照時，將這些相同的構圖線條疊加在畫面中，做為構圖上的參考。 原文出處：http://goo.gl/YCWd4H

作者：Phil Rhodes 日期：2016年7月1日 對於新款的攝影機有著各式各樣的意見，而有時你所感知的缺陷，並非真的是缺陷 別相信在網路上所看到的一切事物。 雖然大部分的人都相當熟悉此一箴言，但在很多方面，大眾對網路上胡言亂語的抵抗力無疑的很弱。當然，政治及宗教是眾所周知要避免的主題，但當人們在攝影機設備投資了大量金錢之後，他們會變得驚人的敏感。不論是電影攝影機或番茄湯，若要以此讓人們變得特別愛戀某個特定製造商的產品，這樣的動力是薄弱的。這也是為什麼網路上關於攝影機設備的爭論、尤其是對於察覺到的缺陷，會如此極化且迅速。 Sony FS5 的案例 這個，我們在幾個月前以嚴肅的態度，討論過一次關於Sony FS5編碼（Code）的改變，及降雜訊（Noise Reduction）的設定。查詢網路上的意見，也許會看到說它在雜訊處理上有嚴重的問題，但事實上，攝影機在根本上並沒有什麼不對。當Gain值設定成很高時，會引發許多雜訊，因此可能會有明顯的降雜訊痕跡。除此之外，編碼的設定在某些情況下，優先處理細節的保留，而將避免出現壓縮的痕跡放在其次，但這無法滿足每個人的品味。“品味（Taste）”一詞是嚴酷的，例如：雖然編碼的設定，偶而會在漸層的天空出現等高線（Banding），但這只是選擇上的問題、並非缺陷。降雜訊及壓縮就會產生加工過的痕跡，這就是人生。 也許，Sony至少已經察覺這樣的變化，從他們提供更新韌體的速度來看，早在軒然大波之前，就已經開始著手進行了一段時日。然而，重點是， 此問題的被廣泛討論，已經超過了它真正的重要性。我們有充分的理由相信，Blackmagic URSA Mini 4.6K也將會發生類似的情形。 關於 4.6K 紫邊的原因 要找到用這台攝影機所拍攝、在影格角落有洋紅色邊緣的影像並不困難，有經驗的人，看到這些影像，將趨向於做出似乎正確的結論：某些類型的鏡頭與4.6K攝影機的感光元件之間，產生相互的影響。某些類型的鏡頭、尤其是舊款的鏡頭，也許不是Image-Space Telecentric鏡頭（請參考本文末的譯註），也就是說，從鏡頭出來的光束並非全都是平行的。研發這些較舊的鏡頭時，對於膠捲來說，在當時並沒有什麼問題，各種對色彩敏感的塗料層堆疊起來的厚度有限，對於因厚度而引起的微小角度偏差，一般不會有什麼問題。而這樣的偏差，對數位感光元件而言，則影響非常大，主要是因為感光元件的實體結構，會加重感光元件對於非垂直光線的敏感度。 有些感光元件，其感光區域（Photosensitive Area）是稍微下陷、位於內凹的底部。以極大角度進入的光線，至少會稍微射在內凹的側邊，也就是說，一些光線遭遮擋，導致無法到達感光單元（Photosite）。此問題的另一個因素是因為使用微透鏡陣列（Microlens Array），它是放置在一張感光元件前面的微小鏡頭，用來補足現代感光元件填充係數值（Fill Factor）不足的缺點，感光單元之間的空隙，通常還包含了為增加其他功能而設置的額外電路。微透鏡的邊緣對邊緣相互接觸，將光線集中進入感光區域，這可增加敏感度並降低鋸齒，但整個的安排，對於入射角度的敏感度，變得比直射進入的光線更高。 所有這些技術完全正常且常見，常用於對於解析度、感光度、及影格速率無需高效能的攝影機。電影攝影機一般都需要高效能的感光元件，以簡單易懂的結論來說，現代的鏡頭是依照更能搭配現代的感光元件而設計，而舊鏡頭搭配新感光元件（或甚至有些現代鏡頭在設計時，並未將上述所提的重要事實列入考慮），就可能產生問題。這並非什麼新鮮事，用舊相機鏡頭搭配新相機所產生的問題，已經超過十年以上了。 關於此問題的可接受度 – 視它為一種特性或缺陷 – 只是程度上的問題。有些感光元件比其他的感光元件更容易產生周邊暗角；有些鏡頭也比其他鏡頭更容易發生。我懷疑這是導致網路譁然的根源：有些人的裝備組合，會導致問題的產生、而有些人則不會。而鏡頭檔位（Stop）的設定值也是個變數，較高的F數值降低了問題的發生，因為它們減少了光線可進入感光元件的角度。因為問題很細微，所以常被場景的內容物所遮蔽，此外，完全根據到底用了什麼設備、及到底設定值為何而定。 邊緣校正？ 如果我們要考慮解決方案，有一件從本質上來說確實可做的事：在URSA Mini進行鏡頭校正（Lens Shading Correction），跟ENG攝影機經常在做的方式差不多。這可能可行，而Blackmagic將充分意識可能的解決方案 – 相同的，這也並不是什麼新技術，且一直都這麼做。而它也可能不是通用的解決方案，因為光圈及Zoom設定的改變，導致問題的多變性。 說到底，最終我們必須記住網路上人云亦云的影響力。我在這裡並非為Blackmagic找藉口，沒有任何人要求我寫這篇文，而我也沒有因此文獲得任何額外的獎賞。問題在於不要接受社群媒體中許多無意義的評論，對於產品的嚴肅問題產生錯誤的印象，這對產品並不完全公平。 保持洞察力 根據我的瞭解（且我希望能瞭解更多），Blackmagic URSA Mini 4.6K真的是很棒的設備，擁有極好的人體工學、踏實的影像、及目前仍為最好的取景器（URSA Viewfinder）之一。雖然或許可拿“它只是此公司第二、或第三代攝影機”為藉口，但從其價格來看，真的不需要任何藉口。在未來，讓我們盡可能不要完全採信社群媒體中人云亦云的說法，而直接跳到結論。 原文出處：http://goo.gl/mIWCcL 關於攝影機的詳細介紹：https://www.getop.com/cameras 譯註： Image-Space Telecentric 鏡頭 Object- Space Telecentric 鏡頭

作者：JOURDAN ALDREDGE 日期：2016年7月14日 我們知道頭銜，也賞識一些偉大的攝影師，但攝影指導（DP - Director of Photography或Cinematographer）在電影製作到底真正的做些什麼事？讓我們來探索吧！ 當要定義一部電影整體的樣貌及感覺（Look and Feel）時，沒有比電影攝影師能扮演更重要的角色了。要塑造電影視覺的美學，攝影指導對於攝影機、構圖、打光、及電影史等必須有非常深入的認識。他也會參與製作過程中許多其他的部分。讓我們就從最開始談起吧！ 前製（Pre-Production） 攝影指導通常由製片（Producer）、或因導演推薦，參與製作專案。有些主流的導演跟同一個攝影指導合作了幾十年。 攝影指導在製作過程中需要盡早且經常參與，因為他對於如何詮釋腳本、決定電影的風格及色調等，有很大的幫助。電影風格的主調一旦確定，攝影指導將為攝影機及燈光進行攝影組團隊（或部門）的建立。 分鏡腳本（Storyboard） 雖然攝影指導也許並非真的親自動手畫，但電影攝影師仍必須認真刻苦的仔細看電影腳本，並為每一個拍攝片段（Shot）建立視覺的圖畫。分鏡腳本再加上完善的拍攝順序表（Shot List），將呈現電影整體的佈局，如此一來，導演及製片就可安排與計畫整個製作。 攝影機（Camera） 要為電影建立統一的風格，很大一部份乃在於為各場景選擇攝影機及鏡頭。一開始就必須決定用數位還是膠捲，要考慮的是兩者會各自產生如何的特殊樣貌。除了選擇攝影機之外，特定的鏡頭及鏡頭配件產出了每一個拍攝片段的最佳拍攝結果。 打光（Lighting） 攝影指導是從一個照明電工、到整的燈光組的總管，他將指定每個場景的燈希望怎麼打。燈光的設置非常多樣化，從精心設計的整個拍攝場景、到一顆中式的燈籠（China Ball）。從燈光藝術的角度來看，電影攝影師就像是一位用每一個層次的亮部及暗部當畫筆，在拍攝的影片中作畫的畫家。 構圖（Framing） 除了燈光之外，攝影指導配合他的攝影機操作員（Cameraman），為每一顆鏡頭依照他認為適合的方式構圖。攝影構圖有時很花時間，且需注意到畫面中的每一個細節。 運鏡（Movement） 為了讓觀眾更加融入電影，許多拍攝片段都結合了某種程度的攝影機運動，更進一步讓燈光與構圖更複雜。基本的移動，例如：Pan及Tilt，再搭配鏡頭的推進、升降、及縮放（Zoom）等，需要組織良好的劇組，為跟上攝影機的拍攝畫面，進行所需的燈光移動、滑軌車移動，甚至拆除牆面等。 一旦拍攝完成，攝影指導在後期製作的過程中，可能也深度的參與。雖然通常對於故事劇情的剪接沒有發言權，但攝影指導可能要配合調光師及剪輯師，更進一步發展電影畫面中視覺元素的安排。 儘管對於電影的評論導演獲得絕大部分的榮耀（或指責），而製片也許獲得最大的收益，而電影攝影師常常是電影製作的默默英雄，但電影的畫面是唯一以視覺方式，與觀眾溝通及表達之物 — 並且可歷久不衰。 原文出處：http://goo.gl/CsXg0p

日期：2016年8月8日 作者： SEBASTIAN JACOBITZ 最近從收到一些人的訊息，他們說他們很喜歡我的照片，但不幸的是他們沒有“攝影眼”。這激發了我的靈感，寫這篇關於基礎美學（Aesthetics）及它與攝影之間的關係的文章。 表達你的意見 當我們論及美學，意思是指一些普遍比較悅目的事物 — 它可以是照片、繪畫、或雕塑。 在討論照片的品質時，經常發生的一件事是，人們對於自己在攝影上的能力感到害羞，因此認為他們無法評論一張照片。但我認為，每個人都可以評論照片，並表達他們喜歡與否；在表達自己的意見時，你不需要是個專家。 攝影師與其他任何人的差別，並不在於他們注意到美好事物的能力，而是攝影師同時也應該要能解釋為什麼某些元件令人愉快、而某些則否。每個人都天生自然瞭解美學，每一個人都看得到，但僅有少數人可真正的分析照片，且能解釋創作的技巧，進而創作出美麗的照片。 這些技巧並非由一些專業畫家所“發明”，它們是在許多不同的學科中發現的，例如：黃金比例（Golden Ratio）不僅在攝影及繪畫上很重要，在建築、數學、甚至於在花朵的排放上，也都很重要。這意味著，我們可透過套用其中的一些通用規則，創作出直覺上來說大多數人都會覺得和諧的照片。 組合的元件 引導線（Leading Lines） 觀賞者的眼睛自動的被線條及其他幾何形體引導，引導線有助於將焦點置於主題物上，讓它們成為被注意的中心。如果目光自然的移動可循著這些線條、且終點落於主題物上，這給予非常和諧悅目的印象。相反的，若逆向而行、逆流而上，則會非常沈重有壓力。 三分定律（Rule of Thirds） 與黃金比例稍有不同，三分定律乃近似值，將影像分為三個區域。將主題物放置在稍微偏離中心的位置，常常會更討人喜歡。這不僅只是意味著水平方向的比例、亦即從左到右，也意味著從下到上的垂直方向。 這讓我們有四個“理想的”放置主題物交點（左上、右上、左下、右下）。在街景攝影，使用上方的配置區域，讓我們得以顯示更多主題物的內容，讓它們成為吸引我們注意的最佳焦點。 三角形（Triangles） 幾何形體有助於控制照片的流向，它們為觀賞者建立基本的遵循架構，且因為如：三角形或圓形的沒有終點，因此建立了一些動態的律動。 單數定律（Rule of Odds） 上面的照片已經闡述了三個主體物形成三角形的範例，但不僅只是三角形才能讓觀賞者覺得悅目 — 5個、甚至於7個有趣的點，都可大大增加影像的美學值。 單數定律背後的心理特點是，偶數主題物很容易被組織、易於配對（2、4、6等），而這對於我們的腦袋，並不覺得是件有趣的工作。 破對稱（Breaking Symmetry） 一張對稱的照片是很棒的作品，但一張100%對稱的照片太容易理解。為了讓照片更有趣味性，你可透過將一個主題物，讓它稍微偏離中央切割線，而達到此一目的。 建立清單 上面所列出的組合元件清單，可幫你創作出美學上很悅目的照片，而你並不需要一雙與生俱來“眼光獨到”的眼睛，才能看到有趣的影像。此外，請記住每個人都具有美學的辨別能力，而差別在於是否能解釋及創作賞心悅目的照片或圖畫。 基本的定律並非創自一些才華洋溢的大師，它們只是讓你能容易的為照片產生足夠張力、而不會過度雜亂的普通法則而了。換句話說：一張在美學觀點上成功的照片，也並不會自動的就成為一張很棒的照片；它只是為說故事提供了一個漂亮的基礎架構而已。 關於作者：Sebastian Jacobitz是一位27歲柏林的業餘街頭攝影師，在都會區裡捕捉每一天的生活。 原文出處：http://goo.gl/3U7Cbt

作者：V Renée 日期：2016年9月3日 除了打板以外，攝影二助做很多事 雖然攝影二助（2nd AC）有時似乎是個不受人注意的工作，但在拍攝現場，你有許多可讓每個人日子過得輕鬆一些的事情可做。下面是來自Film Riot非常有用的影片，讓你瞭解在拍電影的專案，第二攝影大助做哪些事，同時也提供了如何讓這些工作做得更快且更好的一些密技。 主持人Ryan Connolly對於攝影二助的工作，分享了許多很棒的看法。為了讓你容易點，下面列出了他所提到攝影二助的任務，及完美達成這些任務的技巧。 打板 這個看起來似乎再簡單不過了，但打板（Slating）還真是一門藝術。你必須讓剪接師能清楚的看到、聽到，且能看到與每一個場景相關的所有正確資訊。下面是如何才能辦到的技巧： 熟知每一個場景（現在是哪個場景/Take/Roll）。 清楚說出打板的內容。 將打板放置在能充滿畫面的位置。 避免“客串演出”！（譯者註：除了手之外不入鏡。） 隨身攜帶一塊小打板（Insert Slate），在正常大小的打板，因太大而無法容入畫面時使用（例如：非常近距離的特寫）。 換鏡頭 身為電影人，你也許會經常跟別人交換心愛的鏡頭，而在別人的拍攝專案，你應確實遵循適當的準則： 用指尖、而不是手掌從攝影大助（1st AC）手上接過鏡頭（避免弄髒）。 一旦取下鏡頭，用手遮住攝影機的感光元件。 當攝影大助將鏡頭交給你時，你在確定穩穩的接住之後，要說聲“拿好了”。 蓋上鏡頭的前、後蓋（蓋子都放在攝影機袋裡、不要放在你的口袋）。 換鏡頭時，無論如何都不能急速行事。 設置標記 同樣的，這也是一件看似簡單、實際上需要一些技巧才能做好的工作 – 為演員設置標記（Mark）。下面是一些如何像個專家般，使用你的1吋攝影紙膠帶的技巧： 為每一個演員挑選一個顏色，並將螢光色留給攝影機標記（Camera Mark）使用。 在膠帶的尾端反折、保留易於將標記撕下的頭，同時也方便多撕一些膠帶。 T字標記不要過小、要讓T字夠大（4吋 x 12吋 或 10公分x30公分就很好）。 事先準備4吋長、留有易於撕下的頭的膠帶，將它們貼在隨身小打板的背面，應急時立即可用。 讓演員知道你將撕掉標記、或只是會用個小點做標記。 為各種不同的地形準備不同的T字標記：沙袋T字標記、金屬T字標記等。 在貼膠帶之前，先用氣瓶吹掉表面的灰塵/髒污。 看完以上的影片和說明，現在你可以開始出去工作，並成為最佳攝影二助！ 對於攝影二助，你有任何建言或密技嗎？歡迎在底下留言，分享給大家。 【硬漢加夫】腰掛快扣全組合→ https://bit.ly/3oL51fb 【硬漢加夫】影片→ https://goo.gl/EFYzmA 原文出處：http://goo.gl/PG2wLr

作者：YOSSY MENDELOVICH 日期：2021年1月31日 讓我們來探索對於獨立製片而言，世界最大、也是最重要的日舞影展2021背後的攝影機。我們的結論：ARRI ALEXA Mini仍維持掌控著小心謹慎的電影工作者，而BMPCC（Blackmagic Pocket Cinema Camera 口袋電影機）以其4K及6K兩款機型侵入。請參閱後面的圖表。 日舞影展 2021：攝影機製造商 日舞影展 2021 背後的攝影機 日舞影展包含了紀錄片（Documentary）及劇情片（Dramatic）兩競爭類型，而兩者皆有長片及短片的獎項。此一非常重要的獨立製片影展，儼然已成為驅動我們業界前進的重要引擎。相對於我們各式各樣的攝影機調查，這個也許是最有趣的一個，因為它對於真正夢想家用來述說故事所選擇的攝影機，與預算充足的商業電影所選擇的攝影機進行了比較。 日舞影展2021（照片提供：聖丹斯協會） 日舞影展 2021：影片及攝影機 下面的列表顯示了今年電影節（日舞影展 2021）首映的33部敘事電影所選擇的攝影機，資料是根據IndieWire電影調查（參閱IndieWire的文件，進一步瞭解這些電影的拍攝過程）。排行榜則位於列表之後。 Censor - 攝影指導：Annika Summerson，攝影機：ARRICAM LT、ARRICAM ST、Sony VENICE。 CODA - 攝影指導：Paula Huidobro，攝影機：Sony VENICE。 Coming Home in the Dark - 攝影指導：Matt Henley，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Eight for Silver - 攝影指導：Sean Ellis，攝影機：ARRICAM ST、ARRICAM LT。 El Planeta - 攝影指導：Carlos Rigo Bellver，攝影機：Blackmagic Pocket 4K。 Fire in the Mountains - 攝影指導：Dominique Colin，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 First Date - 攝影指導：Manuel Crosby，攝影機：Blackmagic Pocket 4K。 Hive - 攝影指導：Alex Bloom，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Human Factors - 攝影指導：Klemens Hufnagl，攝影機：Sony F55。 I Was a Simple Man - 攝影指導：Eunsoo Cho，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Jockey - 攝影指導：Adolpho Veloso，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 John and the Hole - 攝影指導：Paul Özgür，攝影機：ARRI ALEXA LF。 Judas and the Black Messiah - 攝影指導：Sean Bobbitt，攝影機：ARRI ALEXA LF、ARRI ALEXA Mini LF。 Knocking - 攝影指導：Hannes Krantz，攝影機：Sony FS7。 Luzzu - 攝影指導：Léo Lefèvre，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Ma Belle, My Beauty - 攝影指導：Lauren Guiteras，攝影機：ARRI AMIRA。 Marvelous and the Black Hole - 攝影指導：Nanu Segal，攝影機：ALEXA Mini。 Mass - 攝影指導：Ryan Jackson-Healy，攝影機：ARRI ALEXA Mini、ARRI ALEXA SXT。 Mayday - 攝影指導：Sam Levy，攝影機：ALEXA Mini。 Mother Schmuckers - 攝影指導：Sylvestre Vannoorenberghe，攝影機：ARRI Amira、Canon C300 Mark II。 One for the Road - 攝影指導：Phaklao Jiraungkoonkun，攝影機：ARRI ALEXA Mini LF。 Passing - 攝影指導：Edu Grau，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Pleasure - 攝影指導：Sophie Winqvist Loggins，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Prime Time - 攝影指導：Michał Łuka，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Prisoners of the Ghostland - 攝影指導：Sohei Tanikawa，攝影機：ARRI ALEXA Mini、ARRI ALEXA SXT。 R#J - 攝影指導：Diego Madrigal，攝影機：Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K。 Son of Monarchs - 攝影指導：Alejandro Mejía，攝影機：ARRI ALEXA Mini、Canon C300 Mark II。 Strawberry Mansion - 攝影指導：Tyler Davis，攝影機：ARRI AMIRA。 Superior - 攝影指導：Mia Cioffi Henry，攝影機：ARRI 416。 Together Together - 攝影指導：Frank Barrera，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Violation - 攝影指導：Adam Crosby，攝影機：Blackmagic Ursa Mini Pro G2。 We’re All Going to the World’s Fair - 攝影指導：Daniel Patrick Carbone，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 Wild Indian - 攝影指導：Eli Born，攝影機：ARRI ALEXA Mini。 日舞影展2021（照片提供：聖丹斯協會） 日舞影展 2021 攝影機排行榜 詳閱下面根據上述資料所做出的排行榜（資料提供：Y.M.Cinema Magazine）： 日舞影展2021：攝影機排行榜 洞悉 一般而言，陽光底下無新鮮事，ARRI以其Mini掌控全局，在日舞影展2019及日舞影展2020的攝影機調查確實如此。除此之外，一些其他的電影攝影機也是完全可預期的。然而，若仔細查閱排行榜你不難驚喜的發現BMPCC（Blackmagic Pocket Cinema Camera），很棒的BMPCC搭配了高階的鏡頭（Cooke Anamorphic及Angenieux Zoom）用於三部電影（First Date、R#J”、及El Planeta）。以此來看，DP做了些聰明的決定，將錢投資在鏡頭上、而不投資攝影機。關於鏡頭的總總，請密切注意我們下一篇焦點放在這些電影背後所使用的鏡頭的排行榜。

史蒂芬史匹柏如何建構戰鬥場景？ 即使觸動了受苦於創傷後壓力症候群（PTSD）的二次世界大戰老兵，對於D-Day的痛苦記憶，搶救雷恩大兵（Saving Private Ryan）仍被稱為史上最真實描述戰爭的電影之一。那麼，史蒂芬史匹柏是如何精準的捕捉諾曼第（Normandy）登陸的恐怖與混亂、同時又能在故事體（Diegesis）中維持觀眾的認知、引導觀眾呢？Evan Puschak在下面的影片中，清楚的解釋了導演的獨特電影手法。 有很多導演都拍過關於D-Day的電影，但幾乎沒有一個能像史匹柏的1998年搶救雷兒大兵拍得那麼好。當然，用來描述第一個戰爭場面用最多的形容詞，莫過於“寫實（Realistic）”、“真實（Authentic）”、和“身歷其境（Immersive）”， 且確實也是如此。史匹柏用了一些電影技巧，讓觀賞者跟著同盟軍一起身處奧馬哈海灘（Omaha Beach）。透過運用手持攝影機的運鏡（模擬真實二次世界大戰的攝影師）、剪輯、及音效設計等，史匹柏得以創作出戰場上的混亂、慌亂、及迷惑。 “每一個人都能捕捉到混亂 但只有最棒的人才能透徹的捕捉。” 然而，Puschak對於史匹柏的搶救雷恩大兵的戰爭場面，提到很棒的一點：在他們處理拍攝戰爭的混亂時，他們同時也非常協調一致。就如影片中所說，史匹柏對於Shot的選擇極度簡約，在一個鏡頭（Take）中，常包含了寬景（Wide）、中景（Medium）、特寫（Close-Up）、及插入鏡頭（Insert Shot），而每一個Shot從前一個Shot的動作跳躍而至。 這些，再加上他模擬攝影機的技巧，讓觀賞者在觀看此景時，擁有非常獨特且強大的觀賞經驗，到目前為止幾乎沒無人能仿效 — 觀賞者能夠一覽無遺的觀賞戰役，且在情緒上、但非心智上迷亂。就像Puschak所說的，史匹柏巧妙的攝影機運鏡計畫和技巧，能透徹的捕捉混亂。 原文出處：http://goo.gl/zBzKCY